WordPress.org

Profiles

steppingsize7

  • Member Since: October 20th, 2016
  • @steppingsize7 on WordPress.org
  • Find me on:

Bio/Description

De spaanse schilder (Fuente de Cantos, Badajoz, 1598-Madrid 1664). Hij trainde in Sevilla, vervolgens het levendige centrum van een figuratieve cultuur van het realisme. In 1617 opende hij zijn eigen winkel in Llerena, in Extremadura, maar in 1629 vestigde hij zich weer in Sevilla en daar gebleven (behalve een verblijf in Madrid in 1634) tot 1659 ca. Als verminderde, in omstandigheden van extreme armoede, verhuisde hij naar Madrid, waar hij tevergeefs geprobeerd worden ingevoegd in het culturele klimaat van de stad. De activiteit van Zurbaran is esplicò bijna uitsluitend voor de productie van heilige beelden van zeer hoge aantal (ca. 600) en de kwaliteit soms niet subliem, deels te danken aan het wijdverspreide gebruik van collaborateurs, gedeeltelijk op momenten van crisis van de schilder, vooral in de laatste jaren van zijn leven werd beschouwd door zijn tijdgenoten ten gunste van Murillo. De stijl van Zurbaran omvat zowel het naturalisme typische Seviliaanse, ontwikkeld en gemaakt volgens de hoogste uitkomsten voor het gebruik van kleur, altijd helder en verblindend zelfs in donkere tinten; zowel de disegnativa traditie van Maniërisme Spaans, die de schilder op te lossen zijn composities in de cijfers van de eerste verdieping van elegante belijning en snijtanden, duidelijk gescheiden van de neutrale fondsen of donker, buiten enige historische ambiance. De meeste van zijn werken werden uitgevoerd zoals devotie cycli voor kerken en kloosters van Sevilla en andere Spaanse steden (thans verspreid zijn over verschillende musea), oprecht uitzoekt voor de religieuze sentimenten populaire (schilderijen voor de Merced Calzada in Sevilla, 1629; schilderijen van Nuestra Senora de La Defension in Jerez de la Frontera, 1638-39). De beroemde reeks heiligen die pierce door misticheggianti achteruitparkeren viering decoratieve elegant. Rond 1633 Zurbaran legde zich ook voor een korte tijd tot Natura morta, waardoor één van de grootste meesterwerken van het genre, van absolute zuiverheid: de schaal van de ceders, een mandje met sinaasappels en cup met roze (1633, reeds in Florence, de Contini Bonacossi collectie van 1973 in Los Angeles, Pasadena, Norton Simon Foundation). De invloed van Zurbaran veeleer beperkt in Spanje, was in plaats enorm in Latijns-Amerika, vooral in Peru, waar de schilder stuurde talrijke werken tijdens de periode 1640-58.

Murillo, Bartolomé Esteban
De spaanse schilder Sevilla (1617-1682). De artistieke beginnings van Murillo waren voornamelijk gekoppeld aan de stad kerst, eerst als student van middelmatige Juan del Castillo, daarna als zelfstandig schilder, gevoelig voor de kunst van Ribera, Zurbarán, Velázquez; de jeugdige werken, sterk in ontwerp en gemodelleerd, maar wezenlijk weinig originelen de tonen ook een aandeel verwerven van de generieke caravaggismo rondvliegen in Spaanse omgeving. Contacten met de Italiaanse schilderkunst, door B. De Cavallino en A. Vaccari, Vlaamse en (misschien bezocht de koninklijke verzamelingen tijdens een reis naar Madrid in 1648, waarin hij kon studeren werken van Rubens en Van Dyck), aangespoord een originele interpretatie van colorismo veneto aan lijnstuk een licht gebruik zeer actief scenografisch en barok; deze tekens verschijnen in de elf schilderijen met wonderen van Franciscaanse heiligen voor het klooster van het gelijknamige orde in Sevilla (1645-48), vandaag verspreid, en in de geboorte van de Maagd (Parijs, Louvre), triomfantelijke debuut van een lange activiteit ten dienste van de verschillende broederschappen en religieuze orden waarbinnen Murillo bleek oprecht tolk en overtuigend van mystiek contrareformatorische. De betekenis realistische zachtjes, populaire folk en communicatieve sacred episode, steeds duidelijker in de fabriek rijpe (cyclus voor het Hospice of charity in Sevilla, ca. 1670-80: De genezing van de lamme bij de pool, Londen, National Gallery; de terugkeer van de verloren zoon, Washington, National Gallery), verbonden aan de verfijning van kleur en hoogwaardige formeel hebben gemaakt van de composities van Murillo onderwerpen van de meest populaire religieuze oleografia (denkend aan de talloze versies van de Onbevlekte Ontvangenis, waarvan sommige in Madrid Prado), dat tot stand is gekomen te veranderen in slijtage van het beeld, de echte en grote artistieke waarde. De cycli van de schilderijen van geslacht popolaresco (jongens die fruit eten, Monaco, Alte Pinakothek Galicische; het venster, Washington, National Gallery), effectieve openingen op de picaresque wereld ingehuldigd genre destinatoa groot succes tot de achttiende eeuw, en de portretten van de naturalistische setting (gentleman met kraag, Madrid, Prado), bijdraagt tot een verduidelijking van de diepste inspiratie van de kunstenaar, die gericht is op het verbeteren van de expressieve mogelijkheden van kleur, soms met compiacimenti deugdzaam. “Te verdiepen Zie Gedea Art vol. 7 pp 262-269” “te verdiepen Zie Gedea Art vol. 7 pp 262-269”.

Het Lexicon
Sm. [Uit de Franse rococo, vervalsing, lichtvoetig van rocaille]. De decoratieve stijl die in Parijs rond 1730 en dat gedomineerd op andere stijlen voor ongeveer twintig jaar, spreiding en vervolgens rechtsaf richting het einde van de eeuw in de noordelijke gebieden van Frankrijk, Italië en Centraal Europa tot Rusland. Met waarde van Adj., behorende tot precies deze stijl: mobile, gevel, rococo smaak; voor uitbreiding, kunstmatige lambiccato, maar niet zonder genade: een kapsel rococo.

Kunst: in Frankrijk
Veel verzet door hedendaagse classicistiche stromen en tardobarocche, het rococo werd beschouwd als negatief in de negentiende eeuw tot de eerste kritische analyse uitgevoerd door de gebroeders De Goncourt, die waarschuwde de nauwe relatie met een bepaalde opvatting van het sociale leven, zowel de esthetische revolutionaire hem meedeelt. Ideologisch de rococo is de artistieke expressie van de aristocratie van de kosmopolitische komen aan het einde van haar historische functie, waarachter het geweten van de daling met een filosofie van ontduiking van de werkelijkheid, een fictieve wereld op de mythe van de eeuwige jeugd en de midden rust. Sociaal gedrag is vervolgens aangepast op concepten van verfijning en elegantie, totdat de frivoliteit van enerzijds en de filosofische vrijdenkerij. De vlucht uit de realiteit gebeurt zowel op het intellectuele niveau en op de existentiële en elk detail van het milieu moet worden toegekend aan de manier van leven: alles moet mooi, inderdaad “Nice”, aangezien het begrip schoonheid omvat zelf alleen wat is delicaat en breekbaar, genuanceerde, helder, pittoresk dorpje. Onder dit aspect begrijpen wij dan de “noodzakelijkheid” van een bepaald type van kleding (gewaden lees van zijde en mousseline in pasteltinten, witte pruik die verfraait het gezicht en maakt zonder leeftijdsgrens, dan eeuwig jong), hetgeen overeenkomt met een bepaald soort omgeving om in te wonen. De esthetische revolutie van de rococo gebeurt in feite in het harmonische samenspel van alle details van de meubels, die evenveel bijdragen aan de arts (en de “minor”, wordt deze geanalyseerd uiteraard vergelijkbaar zijn met die van oudsher “noble”) verwijst naar de totstandkoming van organische omgevingen en homogeen is. Het historisch feit waaruit je begint het rococo (zelfs indien de ruimten zijn traceerbaar sinds de laatste jaren van de 17de eeuw) is de overdracht van het hof van Versailles in Parijs na de dood van Lodewijk XIV (1715), waartoe de regent Hertog van Orléans, het feit dat bepaald voor de adel de noodzaak tot herstructurering van de privé-paleizen van de hoofdstad, door lange jaren bewoond slechts incidenteel. Overbodig te krappe ruimtes snel ontwikkelde in de periode van de regentenraad de smaak voor de bleke muren, “open” door de veelheid van spiegels en illeggiadrite stucwerken licht voor het klein meubilair en gelakt in pasteltinten voor leidinggevenden uit de lichte tinten, voor de versieringen van minimale omvang en onderwerp frivool, in duidelijke tegenstelling tot meubels Lodewijk XIV, weelderig (maar ook zwaar) gedomineerd door donkere kleuren en door de vergulden. Zeldzaam waren in Frankrijk de grote architecturale realisaties, die structuren usufruirono barok nog zoveel zeer sober en functioneel in de praktijk als een ondersteuning van de decoratie, de meeste van die binnengevels, afgeleid uit een hele reeks Muntpubliek weet te bekoren (er zij aan herinnerd dat in 1734 door J. A. Meissonnier, wiens tekeningen beïnvloed sterk op productie van beeldhouwers en goudsmeden van de epoche); deze decoratie was gebaseerd op oneindige variaties, beter als asymmetrisch, de kromme lijn die natuurlijke elementen (bladeren, bloemen, dieren) volgens een geest graceful dat vaak exotische elegantie en fantastische van het Oosten (meesterwerken in deze zin zijn de Hôtel de Matignon No. Pineau van 1720-31 en het Hôtel de Soubise van G. Boffrand, versierd door F. Boucher, 1736). In de Franse architectuur zijn immers veel vaker de constructies van kleine afmetingen voor parken en tuinen (readapted soms “Engels” volgens de kanonnen van het pittoreske beter is afgestemd op de nieuwe smaak): de paviljoenen van de jacht, de “Casini van heerlijkheden”, sans-soucis, de monrepos, de ermitages, allemaal verbonden met de behoeften van wereldse leven. De sculptuur werd een fraaie decoratieve uitsluitend, verzachting vormen, verrijkt met beschrijvende gegevens en algemeen uitbeelden mythologische personages naar een wilsverklaring erotiek. De schilderkunst van de heldere kleuren en schitterende verspreid raakt en nuances op een snelle tekening en gebroken, heeft smalle analogieën met de porseleinen, gravure, de weefsels voor meubels, aangezien toont pastorale scènes, idylles, feesten galanti en campestri erotische episodes, dagelijks chronicles, afkolven met ironisch accenten kwaadwillige of de beginselen van een leven frivool maar verfijnd. Voor Frankrijk is het gebruikelijk om een onderscheid te maken tussen een eerste periode Regency (1715-30) in de generatie van de architect G. M. Oppenordt van decorateur F. A. Vassé en de ebanist Ch. Cressent, schilders J.-A. Watteau, J. B. Pater en J.-M. Carrosseriekleur nattier; een periode rocaille (1730-45) dat vindt zijn hoogste uitdrukking in Meissonnier, Pineau, Boucher en Chardin; een laatste periode Pompadour (1745-64) involuto reeds in bepaalde decoratieve logheid en deels beïnvloed door linearismo classicistische, vertegenwoordigd door de architect J. A. Gabriel, decorating door J. Verbeckt en J.H Fragonard.

Kunst: in andere Europese landen
Buiten Frankrijk het rococo werd bekend in korte assolutistiche dat verondersteld als een model van sociaal leven de Franse adel, geïdealiseerde als depositaris van het weten hoe te leven en smaak. In het decennium 1730-40 kunstenaars en Franse ambachtslieden waren in feite uitgenodigd in alle rechtbanken van Europa te beginnen met het fenomeen van internationalisering van de figuratieve cultuur kenmerkend voor de gehele tweede helft van de eeuw. Dit fenomeen woonde precies op de figuur van de dolende kunstenaar (voor Italië het volstaat te denken van Tiepolo en Rosalba Carriera), die gestimuleerd vooral met de ontwikkeling van Ambachten aan de kanonnen zijn gemeenschappelijk voor geheel Europa, volgens een proces beheerst niet alleen door de evolutie van de smaak maar ook, en verklaard door dezelfde heersers, door de wetten van economische expansie. Vergelijkbare verplaatsingen naar rococo, zelfs indien niet volledig geïdentificeerd, werden geopenbaard in Engeland (in furniture Chippendale, door wiens interpretaties, bovendien, het rococo smaak geïntroduceerd in Amerika en in bepaalde thema’s picturale van Hogarth naar Gainsborough) en Spanje (churriguerismo). Voor Italië kan spreken van rococo vooral voor decoratieve kunsten, deelhebbers in de internationale smaak (het stucwerk door Serpotta; de “Chinese kast” voor het paleis van Portici, nu in het Capodimonte, alles in porselein en spiegels), terwijl architectonische constructies om grillige planten curves vond eerst plaats in eigen gebouwen van kleine afmetingen (Villa Palagonia in Bagheria bij Palermo) still alive de barokke traditie, in het bijzonder de activiteiten met betrekking tot de committenza kerkelijke. Voor wat betreft de Italiaanse mobiele, de smaak van de Franse rococo ontwikkeld door de gedeeltelijke goedkeuring van stilistische elementen van Lodewijk XV en de geleidelijke verandering van de elementen van de barokke versieringen (stijl barok). In Venetië, in het kader van de onafhankelijke ontwikkeling (en in een groot deel van de buitenlandse cliënten) van dit schilderij kunt u in de Rococo-stijl de keuze van onderwerpen als de gril, fantastisch uitzicht en de scène van leven (Marco Ricci Zais, Guardi en Longhi) en het wijdverbreide gebruik van Pastel en waterverf (Rosalba Carriera). De stijl van het rococo aan haar belangrijke ontwikkeling in de Duitstalige landen volgens twee bestemmingen nauwkeurig en duidelijk onderscheiden: enerzijds de architectuur en het ambacht de rechtbanken, die uitgewerkt ook originele vormen, maar altijd binnen het Franse model, aan de andere kant is de architectuur, opgevat als een synthese tussen ruimte en decoratie, kerken en kloosters, die staat voor de laatste grote autonome expressie van deze specifieke tak van de architectuur. Op de talrijke Duitse rechtbanken proliferarono kastelen, de adellijke residenties, kleine constructies van plezier, dat is aangenomen in grootte nadrukkelijke of zelfs retorische planten op de gebogen lijnen en elliptische van particuliere bouw frans (alleen de koninklijke kastelen u verandering in de monumentale classicistische Versailles) en ontwikkelde de decoratie in tonen min of meer gematigde, volgens precieze lokale varianten (residentie van de Prins-bisschop van Würzburg, 1719-44, B. Neumann, met medewerking van R. de gekookte en J. L. Hildebrandt en fresco’s van Tiepolo; Palazzina di Caccia van Amalienburg In Park Nymphenburg in München, 1734, F. de Cuvilliés). Religieuze architectuur floreerde in Beieren en in Bohemen, met de gebroeders Asam, D. Zimmermann, Dientzenhofer en in Oostenrijk, vooral met Fischer von Erlach, die lokalen reeds bestaande in de architectuur lokaal tardobarocca te komen voort te bouwen gebouwen gekenmerkt door de ruimtelijkheid en helderheid (een unieke ruimte voor plant ronde, ovale of ovale, witte muren, grote en talrijke vensters, stucwerk en vergulden dat onderstrepen de structurele elementen en framing doeken en muurschilderingen), waar zij een perfecte harmonie en een wisselwerking tussen de constructieve elementen en figuratief. Ook de picturale productie niet uitgegaan van een autonome rol, maar gezien de specifieke behoeften, werd vrijwel uitsluitend ter illustratie van historische onderwerpen-viering in allegorische tinten-mythologische of religieuze thema’s; vervolgens ontwikkeld tot grote doeken en muurschilderingen dat, ondanks de aanzienlijke lichtheid en vaporosità uitvoering, vloeien voort uit de barokke decoratie Italiana (F. A. Maulbertsch, JW Bergl).

Algemene beschrijving
Loc met vier snelheden. Engels (afkorting van populaire kunst, populaire kunst) gebruikt in Italiaanse als sf. Geïntroduceerd door geleerden L. Flieder en R. Banham en goedgekeurd in 1961 door de criticus English L. Alloway, de term geeft een artistieke stroming van avant-garde geboren parallel in Groot-Brittannië en de Verenigde Staten rond 1955, als reactie op het schilderij van abstracte expressionisten. De kunstenaars van de pop art teken vormen en taal in het repertoire van de massa-media, d.w.z. van de communicatiemiddelen en massacultuur: televisie, reclame afbeeldingen, foto’s, strips, toebehoren, enz.; zij dienen daarom beelden en objecten die reeds bestaan als, gemanipuleerd en op diverse manieren gepresenteerd, u plaatst een nieuwe expressiviteit. Het doel van de beweging is om de artistieke werking van haar karakter van unieke en subjectieve voor riaccostare plaats kunst naar de dagelijkse realiteit. De figuratie van het banale en het dagelijks leven van pop art, gemedieerd door de verschillende ervaringen van het kubisme, futurisme, Dadaism en surrealisme, had zijn eerste definitie in Groot-Brittannië door de activiteiten van de onafhankelijke groep van Londen (1953-58). De eerste opera English pop, gemaakt door Richard Hamilton, werd ingeschreven in de tentoonstelling “Dit is morgen” gehouden in Londen in 1956. In de Verenigde Staten de pop art is voortgekomen uit de uitputting van abstracte ervaringen, door de stopt aan het einde van de informele en vooral door heilig “object verbruikt” door kunstenaars van de nieuwe Dada.
De spaanse schilder (Fuente de Cantos, Badajoz, 1598-Madrid 1664). Hij trainde in Sevilla, vervolgens het levendige centrum van een figuratieve cultuur van het realisme. In 1617 opende hij zijn eigen winkel in Llerena, in Extremadura, maar in 1629 vestigde hij zich weer in Sevilla en daar gebleven (behalve een verblijf in Madrid in 1634) tot 1659 ca. Als verminderde, in omstandigheden van extreme armoede, verhuisde hij naar Madrid, waar hij tevergeefs geprobeerd worden ingevoegd in het culturele klimaat van de stad. De activiteit van Zurbaran is esplicò bijna uitsluitend voor de productie van heilige beelden van zeer hoge aantal (ca. 600) en de kwaliteit soms niet subliem, deels te danken aan het wijdverspreide gebruik van collaborateurs, gedeeltelijk op momenten van crisis van de schilder, vooral in de laatste jaren van zijn leven werd beschouwd door zijn tijdgenoten ten gunste van Murillo. De stijl van Zurbaran omvat zowel het naturalisme typische Seviliaanse, ontwikkeld en gemaakt volgens de hoogste uitkomsten voor het gebruik van kleur, altijd helder en verblindend zelfs in donkere tinten; zowel de disegnativa traditie van Maniërisme Spaans, die de schilder op te lossen zijn composities in de cijfers van de eerste verdieping van elegante belijning en snijtanden, duidelijk gescheiden van de neutrale fondsen of donker, buiten enige historische ambiance. De meeste van zijn werken werden uitgevoerd zoals devotie cycli voor kerken en kloosters van Sevilla en andere Spaanse steden (thans verspreid zijn over verschillende musea), oprecht uitzoekt voor de religieuze sentimenten populaire (schilderijen voor de Merced Calzada in Sevilla, 1629; schilderijen van Nuestra Senora de La Defension in Jerez de la Frontera, 1638-39). De beroemde reeks heiligen die pierce door misticheggianti achteruitparkeren viering decoratieve elegant. Rond 1633 Zurbaran legde zich ook voor een korte tijd tot Natura morta, waardoor één van de grootste meesterwerken van het genre, van absolute zuiverheid: de schaal van de ceders, een mandje met sinaasappels en cup met roze (1633, reeds in Florence, de Contini Bonacossi collectie van 1973 in Los Angeles, Pasadena, Norton Simon Foundation). De invloed van Zurbaran veeleer beperkt in Spanje, was in plaats enorm in Latijns-Amerika, vooral in Peru, waar de schilder stuurde talrijke werken tijdens de periode 1640-58.

Murillo, Bartolomé Esteban
De spaanse schilder Sevilla (1617-1682). De artistieke beginnings van Murillo waren voornamelijk gekoppeld aan de stad kerst, eerst als student van middelmatige Juan del Castillo, daarna als zelfstandig schilder, gevoelig voor de kunst van Ribera, Zurbarán, Velázquez; de jeugdige werken, sterk in ontwerp en gemodelleerd, maar wezenlijk weinig originelen de tonen ook een aandeel verwerven van de generieke caravaggismo rondvliegen in Spaanse omgeving. Contacten met de Italiaanse schilderkunst, door B. De Cavallino en A. Vaccari, Vlaamse en (misschien bezocht de koninklijke verzamelingen tijdens een reis naar Madrid in 1648, waarin hij kon studeren werken van Rubens en Van Dyck), aangespoord een originele interpretatie van colorismo veneto aan lijnstuk een licht gebruik zeer actief scenografisch en barok; deze tekens verschijnen in de elf schilderijen met wonderen van Franciscaanse heiligen voor het klooster van het gelijknamige orde in Sevilla (1645-48), vandaag verspreid, en in de geboorte van de Maagd (Parijs, Louvre), triomfantelijke debuut van een lange activiteit ten dienste van de verschillende broederschappen en religieuze orden waarbinnen Murillo bleek oprecht tolk en overtuigend van mystiek contrareformatorische. De betekenis realistische zachtjes, populaire folk en communicatieve sacred episode, steeds duidelijker in de fabriek rijpe (cyclus voor het Hospice of charity in Sevilla, ca. 1670-80: De genezing van de lamme bij de pool, Londen, National Gallery; de terugkeer van de verloren zoon, Washington, National Gallery), verbonden aan de verfijning van kleur en hoogwaardige formeel hebben gemaakt van de composities van Murillo onderwerpen van de meest populaire religieuze oleografia (denkend aan de talloze versies van de Onbevlekte Ontvangenis, waarvan sommige in Madrid Prado), dat tot stand is gekomen te veranderen in slijtage van het beeld, de echte en grote artistieke waarde. De cycli van de schilderijen van geslacht popolaresco (jongens die fruit eten, Monaco, Alte Pinakothek Galicische; het venster, Washington, National Gallery), effectieve openingen op de picaresque wereld ingehuldigd genre destinatoa groot succes tot de achttiende eeuw, en de portretten van de naturalistische setting (gentleman met kraag, Madrid, Prado), bijdraagt tot een verduidelijking van de diepste inspiratie van de kunstenaar, die gericht is op het verbeteren van de expressieve mogelijkheden van kleur, soms met compiacimenti deugdzaam. “Te verdiepen Zie Gedea Art vol. 7 pp 262-269” “te verdiepen Zie Gedea Art vol. 7 pp 262-269”.

Het Lexicon
Sm. [Uit de Franse rococo, vervalsing, lichtvoetig van rocaille]. De decoratieve stijl die in Parijs rond 1730 en dat gedomineerd op andere stijlen voor ongeveer twintig jaar, spreiding en vervolgens rechtsaf richting het einde van de eeuw in de noordelijke gebieden van Frankrijk, Italië en Centraal Europa tot Rusland. Met waarde van Adj., behorende tot precies deze stijl: mobile, gevel, rococo smaak; voor uitbreiding, kunstmatige lambiccato, maar niet zonder genade: een kapsel rococo.

Kunst: in Frankrijk
Veel verzet door hedendaagse classicistiche stromen en tardobarocche, het rococo werd beschouwd als negatief in de negentiende eeuw tot de eerste kritische analyse uitgevoerd door de gebroeders De Goncourt, die waarschuwde de nauwe relatie met een bepaalde opvatting van het sociale leven, zowel de esthetische revolutionaire hem meedeelt. Ideologisch de rococo is de artistieke expressie van de aristocratie van de kosmopolitische komen aan het einde van haar historische functie, waarachter het geweten van de daling met een filosofie van ontduiking van de werkelijkheid, een fictieve wereld op de mythe van de eeuwige jeugd en de midden rust. Sociaal gedrag is vervolgens aangepast op concepten van verfijning en elegantie, totdat de frivoliteit van enerzijds en de filosofische vrijdenkerij. De vlucht uit de realiteit gebeurt zowel op het intellectuele niveau en op de existentiële en elk detail van het milieu moet worden toegekend aan de manier van leven: alles moet mooi, inderdaad “Nice”, aangezien het begrip schoonheid omvat zelf alleen wat is delicaat en breekbaar, genuanceerde, helder, pittoresk dorpje. Onder dit aspect begrijpen wij dan de “noodzakelijkheid” van een bepaald type van kleding (gewaden lees van zijde en mousseline in pasteltinten, witte pruik die verfraait het gezicht en maakt zonder leeftijdsgrens, dan eeuwig jong), hetgeen overeenkomt met een bepaald soort omgeving om in te wonen. De esthetische revolutie van de rococo gebeurt in feite in het harmonische samenspel van alle details van de meubels, die evenveel bijdragen aan de arts (en de “minor”, wordt deze geanalyseerd uiteraard vergelijkbaar zijn met die van oudsher “noble”) verwijst naar de totstandkoming van organische omgevingen en homogeen is. Het historisch feit waaruit je begint het rococo (zelfs indien de ruimten zijn traceerbaar sinds de laatste jaren van de 17de eeuw) is de overdracht van het hof van Versailles in Parijs na de dood van Lodewijk XIV (1715), waartoe de regent Hertog van Orléans, het feit dat bepaald voor de adel de noodzaak tot herstructurering van de privé-paleizen van de hoofdstad, door lange jaren bewoond slechts incidenteel. Overbodig te krappe ruimtes snel ontwikkelde in de periode van de regentenraad de smaak voor de bleke muren, “open” door de veelheid van spiegels en illeggiadrite stucwerken licht voor het klein meubilair en gelakt in pasteltinten voor leidinggevenden uit de lichte tinten, voor de versieringen van minimale omvang en onderwerp frivool, in duidelijke tegenstelling tot meubels Lodewijk XIV, weelderig (maar ook zwaar) gedomineerd door donkere kleuren en door de vergulden. Zeldzaam waren in Frankrijk de grote architecturale realisaties, die structuren usufruirono barok nog zoveel zeer sober en functioneel in de praktijk als een ondersteuning van de decoratie, de meeste van die binnengevels, afgeleid uit een hele reeks Muntpubliek weet te bekoren (er zij aan herinnerd dat in 1734 door J. A. Meissonnier, wiens tekeningen beïnvloed sterk op productie van beeldhouwers en goudsmeden van de epoche); deze decoratie was gebaseerd op oneindige variaties, beter als asymmetrisch, de kromme lijn die natuurlijke elementen (bladeren, bloemen, dieren) volgens een geest graceful dat vaak exotische elegantie en fantastische van het Oosten (meesterwerken in deze zin zijn de Hôtel de Matignon No. Pineau van 1720-31 en het Hôtel de Soubise van G. Boffrand, versierd door F. Boucher, 1736). In de Franse architectuur zijn immers veel vaker de constructies van kleine afmetingen voor parken en tuinen (readapted soms “Engels” volgens de kanonnen van het pittoreske beter is afgestemd op de nieuwe smaak): de paviljoenen van de jacht, de “Casini van heerlijkheden”, sans-soucis, de monrepos, de ermitages, allemaal verbonden met de behoeften van wereldse leven. De sculptuur werd een fraaie decoratieve uitsluitend, verzachting vormen, verrijkt met beschrijvende gegevens en algemeen uitbeelden mythologische personages naar een wilsverklaring erotiek. De schilderkunst van de heldere kleuren en schitterende verspreid raakt en nuances op een snelle tekening en gebroken, heeft smalle analogieën met de porseleinen, gravure, de weefsels voor meubels, aangezien toont pastorale scènes, idylles, feesten galanti en campestri erotische episodes, dagelijks chronicles, afkolven met ironisch accenten kwaadwillige of de beginselen van een leven frivool maar verfijnd. Voor Frankrijk is het gebruikelijk om een onderscheid te maken tussen een eerste periode Regency (1715-30) in de generatie van de architect G. M. Oppenordt van decorateur F. A. Vassé en de ebanist Ch. Cressent, schilders J.-A. Watteau, J. B. Pater en J.-M. Carrosseriekleur nattier; een periode rocaille (1730-45) dat vindt zijn hoogste uitdrukking in Meissonnier, Pineau, Boucher en Chardin; een laatste periode Pompadour (1745-64) involuto reeds in bepaalde decoratieve logheid en deels beïnvloed door linearismo classicistische, vertegenwoordigd door de architect J. A. Gabriel, decorating door J. Verbeckt en J.H Fragonard.

Kunst: in andere Europese landen
Buiten Frankrijk het rococo werd bekend in korte assolutistiche dat verondersteld als een model van sociaal leven de Franse adel, geïdealiseerde als depositaris van het weten hoe te leven en smaak. In het decennium 1730-40 kunstenaars en Franse ambachtslieden waren in feite uitgenodigd in alle rechtbanken van Europa te beginnen met het fenomeen van internationalisering van de figuratieve cultuur kenmerkend voor de gehele tweede helft van de eeuw. Dit fenomeen woonde precies op de figuur van de dolende kunstenaar (voor Italië het volstaat te denken van Tiepolo en Rosalba Carriera), die gestimuleerd vooral met de ontwikkeling van Ambachten aan de kanonnen zijn gemeenschappelijk voor geheel Europa, volgens een proces beheerst niet alleen door de evolutie van de smaak maar ook, en verklaard door dezelfde heersers, door de wetten van economische expansie. Vergelijkbare verplaatsingen naar rococo, zelfs indien niet volledig geïdentificeerd, werden geopenbaard in Engeland (in furniture Chippendale, door wiens interpretaties, bovendien, het rococo smaak geïntroduceerd in Amerika en in bepaalde thema’s picturale van Hogarth naar Gainsborough) en Spanje (churriguerismo). Voor Italië kan spreken van rococo vooral voor decoratieve kunsten, deelhebbers in de internationale smaak (het stucwerk door Serpotta; de “Chinese kast” voor het paleis van Portici, nu in het Capodimonte, alles in porselein en spiegels), terwijl architectonische constructies om grillige planten curves vond eerst plaats in eigen gebouwen van kleine afmetingen (Villa Palagonia in Bagheria bij Palermo) still alive de barokke traditie, in het bijzonder de activiteiten met betrekking tot de committenza kerkelijke. Voor wat betreft de Italiaanse mobiele, de smaak van de Franse rococo ontwikkeld door de gedeeltelijke goedkeuring van stilistische elementen van Lodewijk XV en de geleidelijke verandering van de elementen van de barokke versieringen (stijl barok). In Venetië, in het kader van de onafhankelijke ontwikkeling (en in een groot deel van de buitenlandse cliënten) van dit schilderij kunt u in de Rococo-stijl de keuze van onderwerpen als de gril, fantastisch uitzicht en de scène van leven (Marco Ricci Zais, Guardi en Longhi) en het wijdverbreide gebruik van Pastel en waterverf (Rosalba Carriera). De stijl van het rococo aan haar belangrijke ontwikkeling in de Duitstalige landen volgens twee bestemmingen nauwkeurig en duidelijk onderscheiden: enerzijds de architectuur en het ambacht de rechtbanken, die uitgewerkt ook originele vormen, maar altijd binnen het Franse model, aan de andere kant is de architectuur, opgevat als een synthese tussen ruimte en decoratie, kerken en kloosters, die staat voor de laatste grote autonome expressie van deze specifieke tak van de architectuur. Op de talrijke Duitse rechtbanken proliferarono kastelen, de adellijke residenties, kleine constructies van plezier, dat is aangenomen in grootte nadrukkelijke of zelfs retorische planten op de gebogen lijnen en elliptische van particuliere bouw frans (alleen de koninklijke kastelen u verandering in de monumentale classicistische Versailles) en ontwikkelde de decoratie in tonen min of meer gematigde, volgens precieze lokale varianten (residentie van de Prins-bisschop van Würzburg, 1719-44, B. Neumann, met medewerking van R. de gekookte en J. L. Hildebrandt en fresco’s van Tiepolo; Palazzina di Caccia van Amalienburg In Park Nymphenburg in München, 1734, F. de Cuvilliés). Religieuze architectuur floreerde in Beieren en in Bohemen, met de gebroeders Asam, D. Zimmermann, Dientzenhofer en in Oostenrijk, vooral met Fischer von Erlach, die lokalen reeds bestaande in de architectuur lokaal tardobarocca te komen voort te bouwen gebouwen gekenmerkt door de ruimtelijkheid en helderheid (een unieke ruimte voor plant ronde, ovale of ovale, witte muren, grote en talrijke vensters, stucwerk en vergulden dat onderstrepen de structurele elementen en framing doeken en muurschilderingen), waar zij een perfecte harmonie en een wisselwerking tussen de constructieve elementen en figuratief. Ook de picturale productie niet uitgegaan van een autonome rol, maar gezien de specifieke behoeften, werd vrijwel uitsluitend ter illustratie van historische onderwerpen-viering in allegorische tinten-mythologische of religieuze thema’s; vervolgens ontwikkeld tot grote doeken en muurschilderingen dat, ondanks de aanzienlijke lichtheid en vaporosità uitvoering, vloeien voort uit de barokke decoratie Italiana (F. A. Maulbertsch, JW Bergl).

Algemene beschrijving
Loc met vier snelheden. Engels (afkorting van populaire kunst, populaire kunst) gebruikt in Italiaanse als sf. Geïntroduceerd door geleerden L. Flieder en R. Banham en goedgekeurd in 1961 door de criticus English L. Alloway, de term geeft een artistieke stroming van avant-garde geboren parallel in Groot-Brittannië en de Verenigde Staten rond 1955, als reactie op het schilderij van abstracte expressionisten. De kunstenaars van de pop art teken vormen en taal in het repertoire van de massa-media, d.w.z. van de communicatiemiddelen en massacultuur: televisie, reclame afbeeldingen, foto’s, strips, toebehoren, enz.; zij dienen daarom beelden en objecten die reeds bestaan als, gemanipuleerd en op diverse manieren gepresenteerd, u plaatst een nieuwe expressiviteit. Het doel van de beweging is om de artistieke werking van haar karakter van unieke en subjectieve voor riaccostare plaats kunst naar de dagelijkse realiteit. De figuratie van het banale en het dagelijks leven van pop art, gemedieerd door de verschillende ervaringen van het kubisme, futurisme, Dadaism en surrealisme, had zijn eerste definitie in Groot-Brittannië door de activiteiten van de onafhankelijke groep van Londen (1953-58). De eerste opera English pop, gemaakt door Richard Hamilton, werd ingeschreven in de tentoonstelling “Dit is morgen” gehouden in Londen in 1956. In de Verenigde Staten de pop art is voortgekomen uit de uitputting van abstracte ervaringen, door de stopt aan het einde van de informele en vooral door heilig “object verbruikt” door kunstenaars van de nieuwe Dada.
De spaanse schilder (Fuente de Cantos, Badajoz, 1598-Madrid 1664). Hij trainde in Sevilla, vervolgens het levendige centrum van een figuratieve cultuur van het realisme. In 1617 opende hij zijn eigen winkel in Llerena, in Extremadura, maar in 1629 vestigde hij zich weer in Sevilla en daar gebleven (behalve een verblijf in Madrid in 1634) tot 1659 ca. Als verminderde, in omstandigheden van extreme armoede, verhuisde hij naar Madrid, waar hij tevergeefs geprobeerd worden ingevoegd in het culturele klimaat van de stad. De activiteit van Zurbaran is esplicò bijna uitsluitend voor de productie van heilige beelden van zeer hoge aantal (ca. 600) en de kwaliteit soms niet subliem, deels te danken aan het wijdverspreide gebruik van collaborateurs, gedeeltelijk op momenten van crisis van de schilder, vooral in de laatste jaren van zijn leven werd beschouwd door zijn tijdgenoten ten gunste van Murillo. De stijl van Zurbaran omvat zowel het naturalisme typische Seviliaanse, ontwikkeld en gemaakt volgens de hoogste uitkomsten voor het gebruik van kleur, altijd helder en verblindend zelfs in donkere tinten; zowel de disegnativa traditie van Maniërisme Spaans, die de schilder op te lossen zijn composities in de cijfers van de eerste verdieping van elegante belijning en snijtanden, duidelijk gescheiden van de neutrale fondsen of donker, buiten enige historische ambiance. De meeste van zijn werken werden uitgevoerd zoals devotie cycli voor kerken en kloosters van Sevilla en andere Spaanse steden (thans verspreid zijn over verschillende musea), oprecht uitzoekt voor de religieuze sentimenten populaire (schilderijen voor de Merced Calzada in Sevilla, 1629; schilderijen van Nuestra Senora de La Defension in Jerez de la Frontera, 1638-39). De beroemde reeks heiligen die pierce door misticheggianti achteruitparkeren viering decoratieve elegant. Rond 1633 Zurbaran legde zich ook voor een korte tijd tot Natura morta, waardoor één van de grootste meesterwerken van het genre, van absolute zuiverheid: de schaal van de ceders, een mandje met sinaasappels en cup met roze (1633, reeds in Florence, de Contini Bonacossi collectie van 1973 in Los Angeles, Pasadena, Norton Simon Foundation). De invloed van Zurbaran veeleer beperkt in Spanje, was in plaats enorm in Latijns-Amerika, vooral in Peru, waar de schilder stuurde talrijke werken tijdens de periode 1640-58.

Murillo, Bartolomé Esteban
De spaanse schilder Sevilla (1617-1682). De artistieke beginnings van Murillo waren voornamelijk gekoppeld aan de stad kerst, eerst als student van middelmatige Juan del Castillo, daarna als zelfstandig schilder, gevoelig voor de kunst van Ribera, Zurbarán, Velázquez; de jeugdige werken, sterk in ontwerp en gemodelleerd, maar wezenlijk weinig originelen de tonen ook een aandeel verwerven van de generieke caravaggismo rondvliegen in Spaanse omgeving. Contacten met de Italiaanse schilderkunst, door B. De Cavallino en A. Vaccari, Vlaamse en (misschien bezocht de koninklijke verzamelingen tijdens een reis naar Madrid in 1648, waarin hij kon studeren werken van Rubens en Van Dyck), aangespoord een originele interpretatie van colorismo veneto aan lijnstuk een licht gebruik zeer actief scenografisch en barok; deze tekens verschijnen in de elf schilderijen met wonderen van Franciscaanse heiligen voor het klooster van het gelijknamige orde in Sevilla (1645-48), vandaag verspreid, en in de geboorte van de Maagd (Parijs, Louvre), triomfantelijke debuut van een lange activiteit ten dienste van de verschillende broederschappen en religieuze orden waarbinnen Murillo bleek oprecht tolk en overtuigend van mystiek contrareformatorische. De betekenis realistische zachtjes, populaire folk en communicatieve sacred episode, steeds duidelijker in de fabriek rijpe (cyclus voor het Hospice of charity in Sevilla, ca. 1670-80: De genezing van de lamme bij de pool, Londen, National Gallery; de terugkeer van de verloren zoon, Washington, National Gallery), verbonden aan de verfijning van kleur en hoogwaardige formeel hebben gemaakt van de composities van Murillo onderwerpen van de meest populaire religieuze oleografia (denkend aan de talloze versies van de Onbevlekte Ontvangenis, waarvan sommige in Madrid Prado), dat tot stand is gekomen te veranderen in slijtage van het beeld, de echte en grote artistieke waarde. De cycli van de schilderijen van geslacht popolaresco (jongens die fruit eten, Monaco, Alte Pinakothek Galicische; het venster, Washington, National Gallery), effectieve openingen op de picaresque wereld ingehuldigd genre destinatoa groot succes tot de achttiende eeuw, en de portretten van de naturalistische setting (gentleman met kraag, Madrid, Prado), bijdraagt tot een verduidelijking van de diepste inspiratie van de kunstenaar, die gericht is op het verbeteren van de expressieve mogelijkheden van kleur, soms met compiacimenti deugdzaam. “Te verdiepen Zie Gedea Art vol. 7 pp 262-269” “te verdiepen Zie Gedea Art vol. 7 pp 262-269”.

Het Lexicon
Sm. [Uit de Franse rococo, vervalsing, lichtvoetig van rocaille]. De decoratieve stijl die in Parijs rond 1730 en dat gedomineerd op andere stijlen voor ongeveer twintig jaar, spreiding en vervolgens rechtsaf richting het einde van de eeuw in de noordelijke gebieden van Frankrijk, Italië en Centraal Europa tot Rusland. Met waarde van Adj., behorende tot precies deze stijl: mobile, gevel, rococo smaak; voor uitbreiding, kunstmatige lambiccato, maar niet zonder genade: een kapsel rococo.

Kunst: in Frankrijk
Veel verzet door hedendaagse classicistiche stromen en tardobarocche, het rococo werd beschouwd als negatief in de negentiende eeuw tot de eerste kritische analyse uitgevoerd door de gebroeders De Goncourt, die waarschuwde de nauwe relatie met een bepaalde opvatting van het sociale leven, zowel de esthetische revolutionaire hem meedeelt. Ideologisch de rococo is de artistieke expressie van de aristocratie van de kosmopolitische komen aan het einde van haar historische functie, waarachter het geweten van de daling met een filosofie van ontduiking van de werkelijkheid, een fictieve wereld op de mythe van de eeuwige jeugd en de midden rust. Sociaal gedrag is vervolgens aangepast op concepten van verfijning en elegantie, totdat de frivoliteit van enerzijds en de filosofische vrijdenkerij. De vlucht uit de realiteit gebeurt zowel op het intellectuele niveau en op de existentiële en elk detail van het milieu moet worden toegekend aan de manier van leven: alles moet mooi, inderdaad “Nice”, aangezien het begrip schoonheid omvat zelf alleen wat is delicaat en breekbaar, genuanceerde, helder, pittoresk dorpje. Onder dit aspect begrijpen wij dan de “noodzakelijkheid” van een bepaald type van kleding (gewaden lees van zijde en mousseline in pasteltinten, witte pruik die verfraait het gezicht en maakt zonder leeftijdsgrens, dan eeuwig jong), hetgeen overeenkomt met een bepaald soort omgeving om in te wonen. De esthetische revolutie van de rococo gebeurt in feite in het harmonische samenspel van alle details van de meubels, die evenveel bijdragen aan de arts (en de “minor”, wordt deze geanalyseerd uiteraard vergelijkbaar zijn met die van oudsher “noble”) verwijst naar de totstandkoming van organische omgevingen en homogeen is. Het historisch feit waaruit je begint het rococo (zelfs indien de ruimten zijn traceerbaar sinds de laatste jaren van de 17de eeuw) is de overdracht van het hof van Versailles in Parijs na de dood van Lodewijk XIV (1715), waartoe de regent Hertog van Orléans, het feit dat bepaald voor de adel de noodzaak tot herstructurering van de privé-paleizen van de hoofdstad, door lange jaren bewoond slechts incidenteel. Overbodig te krappe ruimtes snel ontwikkelde in de periode van de regentenraad de smaak voor de bleke muren, “open” door de veelheid van spiegels en illeggiadrite stucwerken licht voor het klein meubilair en gelakt in pasteltinten voor leidinggevenden uit de lichte tinten, voor de versieringen van minimale omvang en onderwerp frivool, in duidelijke tegenstelling tot meubels Lodewijk XIV, weelderig (maar ook zwaar) gedomineerd door donkere kleuren en door de vergulden. Zeldzaam waren in Frankrijk de grote architecturale realisaties, die structuren usufruirono barok nog zoveel zeer sober en functioneel in de praktijk als een ondersteuning van de decoratie, de meeste van die binnengevels, afgeleid uit een hele reeks Muntpubliek weet te bekoren (er zij aan herinnerd dat in 1734 door J. A. Meissonnier, wiens tekeningen beïnvloed sterk op productie van beeldhouwers en goudsmeden van de epoche); deze decoratie was gebaseerd op oneindige variaties, beter als asymmetrisch, de kromme lijn die natuurlijke elementen (bladeren, bloemen, dieren) volgens een geest graceful dat vaak exotische elegantie en fantastische van het Oosten (meesterwerken in deze zin zijn de Hôtel de Matignon No. Pineau van 1720-31 en het Hôtel de Soubise van G. Boffrand, versierd door F. Boucher, 1736). In de Franse architectuur zijn immers veel vaker de constructies van kleine afmetingen voor parken en tuinen (readapted soms “Engels” volgens de kanonnen van het pittoreske beter is afgestemd op de nieuwe smaak): de paviljoenen van de jacht, de “Casini van heerlijkheden”, sans-soucis, de monrepos, de ermitages, allemaal verbonden met de behoeften van wereldse leven. De sculptuur werd een fraaie decoratieve uitsluitend, verzachting vormen, verrijkt met beschrijvende gegevens en algemeen uitbeelden mythologische personages naar een wilsverklaring erotiek. De schilderkunst van de heldere kleuren en schitterende verspreid raakt en nuances op een snelle tekening en gebroken, heeft smalle analogieën met de porseleinen, gravure, de weefsels voor meubels, aangezien toont pastorale scènes, idylles, feesten galanti en campestri erotische episodes, dagelijks chronicles, afkolven met ironisch accenten kwaadwillige of de beginselen van een leven frivool maar verfijnd. Voor Frankrijk is het gebruikelijk om een onderscheid te maken tussen een eerste periode Regency (1715-30) in de generatie van de architect G. M. Oppenordt van decorateur F. A. Vassé en de ebanist Ch. Cressent, schilders J.-A. Watteau, J. B. Pater en J.-M. Carrosseriekleur nattier; een periode rocaille (1730-45) dat vindt zijn hoogste uitdrukking in Meissonnier, Pineau, Boucher en Chardin; een laatste periode Pompadour (1745-64) involuto reeds in bepaalde decoratieve logheid en deels beïnvloed door linearismo classicistische, vertegenwoordigd door de architect J. A. Gabriel, decorating door J. Verbeckt en J.H Fragonard.

Kunst: in andere Europese landen
Buiten Frankrijk het rococo werd bekend in korte assolutistiche dat verondersteld als een model van sociaal leven de Franse adel, geïdealiseerde als depositaris van het weten hoe te leven en smaak. In het decennium 1730-40 kunstenaars en Franse ambachtslieden waren in feite uitgenodigd in alle rechtbanken van Europa te beginnen met het fenomeen van internationalisering van de figuratieve cultuur kenmerkend voor de gehele tweede helft van de eeuw. Dit fenomeen woonde precies op de figuur van de dolende kunstenaar (voor Italië het volstaat te denken van Tiepolo en Rosalba Carriera), die gestimuleerd vooral met de ontwikkeling van Ambachten aan de kanonnen zijn gemeenschappelijk voor geheel Europa, volgens een proces beheerst niet alleen door de evolutie van de smaak maar ook, en verklaard door dezelfde heersers, door de wetten van economische expansie. Vergelijkbare verplaatsingen naar rococo, zelfs indien niet volledig geïdentificeerd, werden geopenbaard in Engeland (in furniture Chippendale, door wiens interpretaties, bovendien, het rococo smaak geïntroduceerd in Amerika en in bepaalde thema’s picturale van Hogarth naar Gainsborough) en Spanje (churriguerismo). Voor Italië kan spreken van rococo vooral voor decoratieve kunsten, deelhebbers in de internationale smaak (het stucwerk door Serpotta; de “Chinese kast” voor het paleis van Portici, nu in het Capodimonte, alles in porselein en spiegels), terwijl architectonische constructies om grillige planten curves vond eerst plaats in eigen gebouwen van kleine afmetingen (Villa Palagonia in Bagheria bij Palermo) still alive de barokke traditie, in het bijzonder de activiteiten met betrekking tot de committenza kerkelijke. Voor wat betreft de Italiaanse mobiele, de smaak van de Franse rococo ontwikkeld door de gedeeltelijke goedkeuring van stilistische elementen van Lodewijk XV en de geleidelijke verandering van de elementen van de barokke versieringen (stijl barok). In Venetië, in het kader van de onafhankelijke ontwikkeling (en in een groot deel van de buitenlandse cliënten) van dit schilderij kunt u in de Rococo-stijl de keuze van onderwerpen als de gril, fantastisch uitzicht en de scène van leven (Marco Ricci Zais, Guardi en Longhi) en het wijdverbreide gebruik van Pastel en waterverf (Rosalba Carriera). De stijl van het rococo aan haar belangrijke ontwikkeling in de Duitstalige landen volgens twee bestemmingen nauwkeurig en duidelijk onderscheiden: enerzijds de architectuur en het ambacht de rechtbanken, die uitgewerkt ook originele vormen, maar altijd binnen het Franse model, aan de andere kant is de architectuur, opgevat als een synthese tussen ruimte en decoratie, kerken en kloosters, die staat voor de laatste grote autonome expressie van deze specifieke tak van de architectuur. Op de talrijke Duitse rechtbanken proliferarono kastelen, de adellijke residenties, kleine constructies van plezier, dat is aangenomen in grootte nadrukkelijke of zelfs retorische planten op de gebogen lijnen en elliptische van particuliere bouw frans (alleen de koninklijke kastelen u verandering in de monumentale classicistische Versailles) en ontwikkelde de decoratie in tonen min of meer gematigde, volgens precieze lokale varianten (residentie van de Prins-bisschop van Würzburg, 1719-44, B. Neumann, met medewerking van R. de gekookte en J. L. Hildebrandt en fresco’s van Tiepolo; Palazzina di Caccia van Amalienburg In Park Nymphenburg in München, 1734, F. de Cuvilliés). Religieuze architectuur floreerde in Beieren en in Bohemen, met de gebroeders Asam, D. Zimmermann, Dientzenhofer en in Oostenrijk, vooral met Fischer von Erlach, die lokalen reeds bestaande in de architectuur lokaal tardobarocca te komen voort te bouwen gebouwen gekenmerkt door de ruimtelijkheid en helderheid (een unieke ruimte voor plant ronde, ovale of ovale, witte muren, grote en talrijke vensters, stucwerk en vergulden dat onderstrepen de structurele elementen en framing doeken en muurschilderingen), waar zij een perfecte harmonie en een wisselwerking tussen de constructieve elementen en figuratief. Ook de picturale productie niet uitgegaan van een autonome rol, maar gezien de specifieke behoeften, werd vrijwel uitsluitend ter illustratie van historische onderwerpen-viering in allegorische tinten-mythologische of religieuze thema’s; vervolgens ontwikkeld tot grote doeken en muurschilderingen dat, ondanks de aanzienlijke lichtheid en vaporosità uitvoering, vloeien voort uit de barokke decoratie Italiana (F. A. Maulbertsch, JW Bergl).
MR-GINSENG.COM Psycahdelisme Monark Sel
Plantes Médicinales Psycahdelisme Monark Sel
EN.MR-GINSENG.COM Psycahdelisme Monark Sel
Medicinal Plants Psycahdelisme Monark Sel
SIRIUSBLACK.ORG Psycahdelisme Monark Sel
Plantes Médicinales Psycahdelisme Monark Sel
CRITTERCROSSING.ORG Psycahdelisme Monark Sel
FASH.FR Psycahdelisme Monark Sel
A Propos de Fash.fr Psycahdelisme Monark Sel
Mentions Légales – Fash.fr Psycahdelisme Monark Sel
Partenariats – Fash.fr Psycahdelisme Monark Sel
Plantes Médicinales Aphrodisiaques Psycahdelisme Monark Sel
Plantes Médicinales Régime Psycahdelisme Monark Sel
ODLG.ORG Psycahdelisme Monark Sel
Plantes-Medicinales Psycahdelisme Monark Sel
Membres Plantes Médicinales Phytothérapie Psycahdelisme Monark Sel
Plantes Médicinales Propriété Bienfaits Effets Secondaires Dosage Psycahdelisme Monark Sel
Plantes Médicinales Propriétés Bienfaits Effets Secondaires Posologie Psycahdelisme Monark Sel
Acheter Plantes Médicinales Psycahdelisme Monark Sel
Borderleague.org Psycahdelisme Monark Sel
Plantes Médicinales Borderleague.org Psycahdelisme Monark Sel
Plantes Médicinales Mr-Ginseng.com Psycahdelisme Monark Sel
Plantes Médicinales Siriusblack.org Psycahdelisme Monark Sel
Plantes Médicinales Crittercrossing.org Psycahdelisme Monark Sel
Plantes Médicinales Fash.fr Psycahdelisme Monark Sel
Plantes Médicinales Odlg.org Psycahdelisme Monark Sel
Plantes Médicinales Bio Psycahdelisme Monark Sel

Acai Baies Fruitela Articho
Acérola Fruitela Articho
Acide Hyaluronique Fruitela Articho
Alfalfa Luzerne Fruitela Articho
Aloe Vera Fruitela Articho
Artichaut Fruitela Articho
Ashwagandha Fruitela Articho
Astragale Fruitela Articho
Avocat Fruitela Articho
Banane Fruitela Articho
Boswellia Serrata Fruitela Articho
Café Vert Fruitela Articho
Cannabis Fruitela Articho
Canneberge Cranberry Fruitela Articho
Cannelle Fruitela Articho
Charbon Végetal Activé Fruitela Articho
Chardon Marie Fruitela Articho
Chlorella Fruitela Articho
Chocolat Cacao Fruitela Articho
Citron Fruitela Articho
Coenzyme Q10 Fruitela Articho
Cordyceps Sinensis Fruitela Articho
Curcuma Fruitela Articho
Damiana Fruitela Articho
Dhea Fruitela Articho
Echinacea Fruitela Articho
Eucalyptus Fruitela Articho
Fenugrec Fruitela Articho
Ganoderma Reishi Fruitela Articho
Garcinia Cambogia Fruitela Articho
Gelée Royale Fruitela Articho
Gingembre Fruitela Articho
Ginkgo Biloba Fruitela Articho
Ginseng Panax Fruitela Articho
Goji Baies Fruitela Articho
Gotu Kola Centella Asiatica Fruitela Articho
Graines de Chia Fruitela Articho
Grenade Fruitela Articho
Griffe du Chat – Uncaria Tomentosa Fruitela Articho
Griffonia Simplicifolia Fruitela Articho
Guarana Fruitela Articho
Harpagophytum Fruitela Articho
Herbe de Blé Fruitela Articho
Hoodia Gordonii Fruitela Articho
Huile d’Argan Fruitela Articho
Huile de Bourrache Fruitela Articho
Huile de Coco Fruitela Articho
Huile de Lin Fruitela Articho
Huile de Nigelle Fruitela Articho
Huile de Ricin Fruitela Articho
Huile d’Onagre Fruitela Articho
Kudzu Fruitela Articho
Levure de Bière Fruitela Articho
Maca Fruitela Articho
Magnésium Fruitela Articho
Marijuana Fruitela Articho
Mélatonine Fruitela Articho
Menthe Fruitela Articho
Miel Fruitela Articho
Millepertuis Fruitela Articho
Mucuna Pruriens Fruitela Articho
Omega 3 Fruitela Articho
Ortie Fruitela Articho
Papaye Fruitela Articho
Probiotique Fruitela Articho
Propolis Fruitela Articho
Quinoa Fruitela Articho
Réglisse Fruitela Articho
Rhodiola Rosea Fruitela Articho
Rose de Damas Fruitela Articho
Safran Fruitela Articho
Schisandra Chinensis Fruitela Articho
Shiitaké Fruitela Articho
Spiruline Fruitela Articho
Stevia Fruitela Articho
Téstosterone Fruitela Articho
Thé Vert Fruitela Articho
Tribulus Terrestris Fruitela Articho
Valériane Fruitela Articho
Vitamine D Fruitela Articho

Algemene beschrijving
Loc met vier snelheden. Engels (afkorting van populaire kunst, populaire kunst) gebruikt in Italiaanse als sf. Geïntroduceerd door geleerden L. Flieder en R. Banham en goedgekeurd in 1961 door de criticus English L. Alloway, de term geeft een artistieke stroming van avant-garde geboren parallel in Groot-Brittannië en de Verenigde Staten rond 1955, als reactie op het schilderij van abstracte expressionisten. De kunstenaars van de pop art teken vormen en taal in het repertoire van de massa-media, d.w.z. van de communicatiemiddelen en massacultuur: televisie, reclame afbeeldingen, foto’s, strips, toebehoren, enz.; zij dienen daarom beelden en objecten die reeds bestaan als, gemanipuleerd en op diverse manieren gepresenteerd, u plaatst een nieuwe expressiviteit. Het doel van de beweging is om de artistieke werking van haar karakter van unieke en subjectieve voor riaccostare plaats kunst naar de dagelijkse realiteit. De figuratie van het banale en het dagelijks leven van pop art, gemedieerd door de verschillende ervaringen van het kubisme, futurisme, Dadaism en surrealisme, had zijn eerste definitie in Groot-Brittannië door de activiteiten van de onafhankelijke groep van Londen (1953-58). De eerste opera English pop, gemaakt door Richard Hamilton, werd ingeschreven in de tentoonstelling “Dit is morgen” gehouden in Londen in 1956. In de Verenigde Staten de pop art is voortgekomen uit de uitputting van abstracte ervaringen, door de stopt aan het einde van de informele en vooral door heilig “object verbruikt” door kunstenaars van de nieuwe Dada.