WordPress.org

Profiles

massivottok

  • Member Since: October 28th, 2016
  • @massivottok on WordPress.org
  • Find me on:

Bio/Description

Den spanska konstnären (Fuente de Cantos, Badajoz, 1598 och Madrid 1664). Han är utbildad i Sevilla, då den livliga centrum till ett figurativt kultur av realistisk karaktär. År 1617 öppnade han sin egen butik på Llerena, i Extremadura, men 1629 bosatte han sig tillbaka till Sevilla och vistats där (förutom en vistelse i Madrid 1634) tills 1659 ca. När minskas, i extrem fattigdom, flyttade han till Madrid där han försökte förgäves att införas i det kulturella klimatet i staden. Aktiviteten av Zurbaran esplicò är nästan uteslutande i heliga bilder av mycket hög siffra (ca. 600) och kvalitet ibland inte sublime, delvis på grund av den utbredda användningen av collaborators, ögonblick av kris av målare, särskilt under de sista åren av livet då det ansågs passerade genom hans samtida för Murillo. Stilen av Zurbaran innefattar både naturalism typisk sevilliansk, utvecklas och anpassas till de högsta resultaten för användning av färg, alltid lucid och bländande även i mörka toner, både disegnativa tradition av Mannerism spanska, som bär målare för att lösa sina kompositioner i siffrorna i första våningen, från eleganta konturer och framtänder, klart avgränsade från den neutrala medel eller mörka, utanför någon historisk atmosfär. De flesta av hans arbeten utfördes enligt devotional cykler för kyrkor och kloster i Sevilla och andra spanska städer (för närvarande finns utspridda bland olika museer), uppriktigt delaktiga i religiösa känslan populära (målningar för Merced Calzada i Sevilla, 1629; målningar för Nuestra Senora de la Defension i Jerez de la Frontera, 1638-39). Den berömda serien av heliga som pierce genom misticheggianti ledtrådar till fest dekorativa elegant. Runt 1633 Zurbaran ägnar sig även för en kort tid till Natura morta, lämnar ett av de största mästerverken i genren, av absolut renhet: skål av cederträ, en korg av apelsiner och kopp med rosa (1633, redan i Florens, Contini Bonacossi samling, från 1973 i Los Angeles, Pasadena, Norton Simon Foundation). Påverkan av Zurbaran, ganska begränsade i Spanien, var i stället är enorm i Latinamerika, särskilt i Peru, där målaren skickat många arbeten under perioden 1640-58.

Murillo, Bartolomé Esteban
Den spanska konstnären Sevilla (1617-1682). Den konstnärliga början av Murillo var huvudsakligen kopplade till stadens jul, först som student av medelmåttig Juan del Castillo, sedan som oberoende målare, känslig för konsten att Ribera, zurbarán, Velázquez, den ungdomliga verk, stark i design och modelleras men i huvudsak lite original den också visa sharer generisk caravaggismo hovering i spansk miljö. Kontakter med den italienska målning, genom B. Cavallino och A. Vaccari, flamländska och (kanske besökt kungliga samlingar under en resa till Madrid 1648, där han kunde studera verk av Rubens och van Dyck), drivit en originell tolkning av colorismo veneto som förenar en ljus använd djupt scenografisk formgivning och barock. Dessa tecken förekommer redan i elva målningar med miraklen av franciskanska heliga för klostret homonyma i Sevilla (1645-48), idag spridda och i födelsen av Virgin (Paris, Louvren, Triumfatoriska början på en lång verksamhet vid service av confraternities och religiösa samfund inom vilka Murillo visat sig vara uppriktiga tolk och övertygande av mysticism motreformistiska fängelser. Tolkningen realistiska försiktigt populära folkmusik och kommunikativa av heliga episod, alltmer uppenbart i verk mogna (cykel för Hospice för välgörenhet i Sevilla, ca. 1670-80: läkning av lame vid poolen, London, National Gallery; den förlorade sonens återkomst, Washington, Nationalgalleriet), gick till en förfining av färg och hög kvalitet formella, har gjort av kompositioner av Murillo ämnen de mest populära religiösa oleografia (tänker på otaliga versioner av den obefläckade befruktningen, varav några i Madrid Prado), som har kommit att förändra, slitage på bilden, verkliga och högt konstnärligt värde. Cyklerna av målningar av släktet popolaresco (pojkar som äter frukt, Monaco, Alte Pinakothek galiciska; fönster, Washington, Nationalgalleriet), effektiva öppningar på picaresque världen som invigdes en genre destinatoa stor framgång fram till 1700-talet, och porträtt av naturalistisk inställning (gentleman med krage, Madrid, Prado), kommer att bidra till att klargöra den djupaste inspiration av konstnären, som syftar till att öka uttrycksfulla möjligheter för färg, ibland med compiacimenti dygdiga. “Att fördjupa se Gedea Art vol. 7 pp 262-269” “att fördjupa se Gedea Art vol. 7 pp 262-269”

Lexikon
Sm. [Från franska rococo, förändring, Lättsamma av rocaille]. Den dekorativa stilen som utvecklades i Paris kring 1730 och som dominerade på andra stilar för omkring tjugo år, spridning och sedan höger mot slutet av århundradet i norra Frankrike, Italien och Centraleuropa fram till Ryssland. Med värdet av Adj., som tillhör just denna stil: mobil, fasad, rokoko smak. förlängning, konstgjorda lambiccato, men inte utan nåd: en frisyr rokokon.

Art: i Frankrike
Kraftigt motsatte sig modern classicistiche strömmar och tardobarocche, rokoko ansågs negativt under hela 1800-talet tills den första kritiska analys utförs av bröderna Goncourt de som varnat både nära relation med en viss uppfattning av det sociala livet, både estetiska revolutionerande informera honom. Ideologiskt rokoko är det konstnärliga uttrycket för aristokratin i cosmopolitan kommer i slutet av sin historiska funktion som maskerar samvete sjunka med en filosofi om skatteflykt från verkligheten, att skapa en fiktiv värld på myten om evig ungdom och unruffled serenity. Socialt beteende därefter justeras på begreppen förfining och elegans, tills lättsinne å ena sidan och den filosofiska libertinism från en annan. Flykten från verkligheten uppstår både på den intellektuella nivå och på det existentiella och varje detalj av miljön bör beviljas till liv: allt måste vara vackert, faktiskt “nice”, eftersom begreppet skönhet omfattar endast vad är känslig och ömtålig, nyanserad, tydligt, pittoreska. Enligt denna aspekt vi förstår då “behovet” av en viss typ av kläder (klädkammaren läs av silke och olika muslimska i pastellfärger, vit peruk som embellishes ansikte och gör utan ålder, sedan evigt unga), vilket motsvarar en särskild typ av miljö för att leva. Den estetiska revolutionen i rokoko inträffar i harmoniska samspelet mellan alla detaljer i inredningen, vilket också bidrar till alla konst (och “mindre” utvärderas naturligtvis på en nivå med de traditionellt “ädla”) se skapandet av organiska miljöer och homogena. Det historiska faktum som du börjar rokoko (även om lokalerna är spårbara eftersom de sista åren av 17-talet) är överföring av revisionsrätten från Versailles i Paris efter Ludvig XIV (1715) på uppdrag av regent hertigen av Orléans, att bestämmas för adeln att omorganisera den privata palats i huvudstaden, med långa år bebos endast ibland. För att undanröja den trånga utrymmen utvecklades snabbt under perioden av regency smaken för den bleka väggar, “öppna” genom det överflöd av speglar och illeggiadrite stuckaturer ljus för små möbler och lackerade i pastellfärger, för chefer också från den ljusa nyanser, för smycken av minsta storlek och oseriöst, i tydlig motsättning till möbler Louis XIV, praktfulla (men också tunga) domineras av mörka färger och skönmålande. Sällsynt i Frankrike stora arkitektoniska idéer, som usufruirono strukturer barock fortfarande lika mycket som mycket nykter och funktionella, syftar i praktiken som ett stöd för dekoration, mest av att inre fasader, härledas från en rad repertories (det bör erinras om att i 1734 av J. A. Meissonnier, vars ritningar påverkas djupt av snideri och guldsmeder i epoch); denna dekoration baserades på oändliga variationer, bättre om asymmetriskt, böjd linje som definieras naturliga element (blad, blommor, djur) enligt en anda graciösa som ofta hänvisas till exotiska elegans och utmärkt i Mellanöstern (mästerverk i denna bemärkelse är Hôtel de Matignon nr Pineau för 1720-31 och Hôtel de Soubise i G. Boffrand, inredda av F. Boucher, 1736). I franska arkitektur är i själva verket betydligt vanligare att konstruktioner av små dimensioner för parker och trädgårdar (readapted ibland dessa “engelska” enligt idealen i den pittoreska, mer anpassad till den nya smaken): paviljonger för jakt, “Casini läckerheter”, sans-soucis, monrepos, ermitages, alla anslutna med behov av världsliga liv. Skulpturen var en fin dekorativ uteslutande, mjukna formar, berikad av beskrivande uppgifter och i allmänhet porträttera mytologiska figurer enligt en avsikt erotiska. Lackering, från den klara färger och fantastisk spridas ut till tryck och nyanserna på ett snabbt upprättande och trasiga, har smala analogier med porslin, gravyr, tyger för möbler, eftersom skildrar pastorala scener, vill fira minnet, galanti högtider och campestri, erotiska episoder, dagliga chronicles, uttrycker med ironiskt brytningar malicious eller principerna för ett liv som oseriöst men raffinerad. I Frankrike är det vanligt att skilja en första period Regency (1715-30) i generering av arkitekten G. M. Oppenordt av dekoratör F. A. Vassé och ebanist Ch. Cressent, målare J-A. Watteau, J. B. Pater och J.-M. Karossfärg Nattier; en period rocaille (1730-45) som finner sitt högsta uttryck i Meissonnier, Pineau, Boucher och Chardin; en sista perioden Pompadour (1745-64) involuto redan i vissa dekorativa tungroddhet och delvis påverkas av linearismo klassicistisk, företrädd av arkitekten J. A. Gabriel, dekorera med Verbeckt J. och J. H. Fragonard-.

Art: i andra europeiska länder
Utanför Frankrike rokoko blev utbrett i korta assolutistiche som antas som en modell för socialt liv den franska adeln, Idealiserad depositarie för att veta hur vi skall leva och smak. Under tioårsperioden 1730-40 konstnärer och franska hantverkare i själva verket var inbjuden i alla domstolar i Europa börjar med företeelsen internationalisering av den figurativa kultur är typisk för hela andra hälften av 1900-talet. Detta fenomen bodde just på bild av irrande artist (för Italien, det räcker med att tänka på Tiepolo och Rosalba Carriera), som stimuleras framför allt utvecklingen av hantverk på kanonerna är gemensamma för hela Europa, enligt en process som styrs inte bara av utvecklingen av smak men också och deklareras av samma härskare, lagar om ekonomisk expansion. Liknande rörelser rococo, även om de inte helt identifierad med det var uppenbarad i England (i möbler Chippendale, genom vars tolkningar, dessutom rokoko smak introducerades i Amerika och i vissa teman bildmässig från hogarths till GRÖDINGE) och i Spanien (churriguerismo). För Italien kan tala om rokoko särskilt för dekorativ konst, delägare i det internationella smak (Stuckaturer av Serpotta; “Kinesiska skåpet” för Palace i portici, nu på Capodimonte, allt porslin och speglar), medan arkitektoniska konstruktioner till nyckfulla växter krökar ägde rum endast i privata byggnader av små dimensioner (Villa Palagonia i Bagheria, nära Palermo), som fortfarande lever i barockstil tradition, särkilt committenza kyrkliga. När det gäller det italienska mobil, smaken av den franska rococo utvecklats genom partiellt antagande av designelement Ludvig XV och progressiv omvandling av delar av den barocka utsmyckning (stil barock). I Venedig, inom ramen för den oberoende utveckling (och riktar sig till stor del utländska klienter) av att måla, kan du definiera i rokoko stil valet av motiv som infall, fantastisk utsikt och scen av liv (Marco Ricci, Zais, Guardi och’Longhi) och den utbredda användningen av pastel och vattenfärger (Rosalba Carriera). Stilen av rokoko mötte sin stora utvecklingsprojekt i de tyskspråkiga länderna enligt två destinationer exakt och tydligt differentierade: å ena sidan arkitektur och hantverk till domstolarna, som utarbetas också ursprungliga former men alltid inuti den franska modellen å andra sidan arkitekturen, förstås som en syntes mellan utrymme och inredning av kyrkor och kloster, som representerar den sista stora självständiga uttryck av denna gren av arkitektur. Runt de många tyska domstolar proliferarono slott, noble, bostäder, små konstruktioner av pleasure, som förutsätts i storlek empati eller ens retoriska växter till krökta linjer och elliptiska privat byggande franska (endast kungliga slotten du nyversioner av monumentality klassicistisk Versailles) och utvecklade dekorationen i tonerna mer eller mindre återhållsamma, enligt exakta lokala varianter (uppehållstillstånd för Prince-biskop i Würzburg, 1719-44, B. Neumann, i samarbete med R. de kokta och J. L. gårdsföretaget Hildebrandt och fresker av Tiepolo, Palazzina di Capo Caccia av Amalienburg i Park Nymphenburg i München, 1734, F. de Cuvilliés). Religiös arkitektur blomstrade särskilt i Bayern och i Böhmen, med bröderna Asam, D. Zimmerman, dientzenhofer och, i Österrike, i synnerhet med Fischer von Erlach, som utvecklade lokaler redan i arkitekturen lokala tardobarocca anländer till byggande byggnader präglas av rymd och ljus (en unik plats att plantera runda, elliptiska eller ovala, vita väggar, stora och talrika fönster, stuckaturer och skönmålande att betona de strukturella element och inramar kanfaser och fresker), där de utför en perfekt harmoni och en sammanlänkningen totala mellan konstruktiva element och figurativa. Även illustrerad produktion inte antas en självständig roll, men med tanke på de särskilda behov som riktades nästan uteslutande för att illustrera historiska motiv-fest i allegoriska toner-Mytologiska och religiösa teman; det utvecklats till stora kanfaser och fresker, trots de betydande lightness och vaporosità utförande, härrör från barock dekoration Italiana (F. A. Maulbertsch, J. W. Bergl).

Allmän beskrivning
Loc. Engelska (förkortning av populära konst, populära art) används i italienska som sf. Infört av akademiker L. Flieder och R. Banham och antogs 1961 av kritikern engelska L. Alloway, termen betecknar en konstnärlig rörelse av avant-garde födda parallellt i Storbritannien och USA runt 1955, som en reaktion på målning av abstrakta expressionister. Konstnärerna av pop art rita formar och språk från repertoar av mass-media, dvs. kommunikationsmedel och massa kultur: tv, reklam bilder, fotografier, comics, förbrukningsartiklar, etc.; de tjänar därför bilder och objekt som redan existerar, manipuleras och presenteras på olika sätt, du fyller på en ny expressiveness. Syftet är att dra den konstnärliga verksamheten till sin karaktär av unika erfarenheter och subjektiva, för riaccostare istället konst till vardagen. På sommaren 2011 var mer än 4500 cyklade kilometer av triviala och det dagliga livet pop art, som förmedlas av olika erfarenheter av Kubismen, Futurism, Dadaism och surrealism, hade sin första definition i Storbritannien genom aktiviteter av den oberoende gruppen i London (1953-58). Den första opera engelsk pop, skapad av Richard Hamilton, var inskrivet i utställningen “Detta är framtiden” som hölls i London 1956. I usa pop art uppstod från konsumtion av abstrakta upplevelser, stannar i slutet av informell och särskilt genom exaltations av “objekt förbrukas” av konstnärer i nya Dada.
Den spanska konstnären (Fuente de Cantos, Badajoz, 1598 och Madrid 1664). Han är utbildad i Sevilla, då den livliga centrum till ett figurativt kultur av realistisk karaktär. År 1617 öppnade han sin egen butik på Llerena, i Extremadura, men 1629 bosatte han sig tillbaka till Sevilla och vistats där (förutom en vistelse i Madrid 1634) tills 1659 ca. När minskas, i extrem fattigdom, flyttade han till Madrid där han försökte förgäves att införas i det kulturella klimatet i staden. Aktiviteten av Zurbaran esplicò är nästan uteslutande i heliga bilder av mycket hög siffra (ca. 600) och kvalitet ibland inte sublime, delvis på grund av den utbredda användningen av collaborators, ögonblick av kris av målare, särskilt under de sista åren av livet då det ansågs passerade genom hans samtida för Murillo. Stilen av Zurbaran innefattar både naturalism typisk sevilliansk, utvecklas och anpassas till de högsta resultaten för användning av färg, alltid lucid och bländande även i mörka toner, både disegnativa tradition av Mannerism spanska, som bär målare för att lösa sina kompositioner i siffrorna i första våningen, från eleganta konturer och framtänder, klart avgränsade från den neutrala medel eller mörka, utanför någon historisk atmosfär. De flesta av hans arbeten utfördes enligt devotional cykler för kyrkor och kloster i Sevilla och andra spanska städer (för närvarande finns utspridda bland olika museer), uppriktigt delaktiga i religiösa känslan populära (målningar för Merced Calzada i Sevilla, 1629; målningar för Nuestra Senora de la Defension i Jerez de la Frontera, 1638-39). Den berömda serien av heliga som pierce genom misticheggianti ledtrådar till fest dekorativa elegant. Runt 1633 Zurbaran ägnar sig även för en kort tid till Natura morta, lämnar ett av de största mästerverken i genren, av absolut renhet: skål av cederträ, en korg av apelsiner och kopp med rosa (1633, redan i Florens, Contini Bonacossi samling, från 1973 i Los Angeles, Pasadena, Norton Simon Foundation). Påverkan av Zurbaran, ganska begränsade i Spanien, var i stället är enorm i Latinamerika, särskilt i Peru, där målaren skickat många arbeten under perioden 1640-58.

Murillo, Bartolomé Esteban
Den spanska konstnären Sevilla (1617-1682). Den konstnärliga början av Murillo var huvudsakligen kopplade till stadens jul, först som student av medelmåttig Juan del Castillo, sedan som oberoende målare, känslig för konsten att Ribera, zurbarán, Velázquez, den ungdomliga verk, stark i design och modelleras men i huvudsak lite original den också visa sharer generisk caravaggismo hovering i spansk miljö. Kontakter med den italienska målning, genom B. Cavallino och A. Vaccari, flamländska och (kanske besökt kungliga samlingar under en resa till Madrid 1648, där han kunde studera verk av Rubens och van Dyck), drivit en originell tolkning av colorismo veneto som förenar en ljus använd djupt scenografisk formgivning och barock. Dessa tecken förekommer redan i elva målningar med miraklen av franciskanska heliga för klostret homonyma i Sevilla (1645-48), idag spridda och i födelsen av Virgin (Paris, Louvren, Triumfatoriska början på en lång verksamhet vid service av confraternities och religiösa samfund inom vilka Murillo visat sig vara uppriktiga tolk och övertygande av mysticism motreformistiska fängelser. Tolkningen realistiska försiktigt populära folkmusik och kommunikativa av heliga episod, alltmer uppenbart i verk mogna (cykel för Hospice för välgörenhet i Sevilla, ca. 1670-80: läkning av lame vid poolen, London, National Gallery; den förlorade sonens återkomst, Washington, Nationalgalleriet), gick till en förfining av färg och hög kvalitet formella, har gjort av kompositioner av Murillo ämnen de mest populära religiösa oleografia (tänker på otaliga versioner av den obefläckade befruktningen, varav några i Madrid Prado), som har kommit att förändra, slitage på bilden, verkliga och högt konstnärligt värde. Cyklerna av målningar av släktet popolaresco (pojkar som äter frukt, Monaco, Alte Pinakothek galiciska; fönster, Washington, Nationalgalleriet), effektiva öppningar på picaresque världen som invigdes en genre destinatoa stor framgång fram till 1700-talet, och porträtt av naturalistisk inställning (gentleman med krage, Madrid, Prado), kommer att bidra till att klargöra den djupaste inspiration av konstnären, som syftar till att öka uttrycksfulla möjligheter för färg, ibland med compiacimenti dygdiga. “Att fördjupa se Gedea Art vol. 7 pp 262-269” “att fördjupa se Gedea Art vol. 7 pp 262-269”

Lexikon
Sm. [Från franska rococo, förändring, Lättsamma av rocaille]. Den dekorativa stilen som utvecklades i Paris kring 1730 och som dominerade på andra stilar för omkring tjugo år, spridning och sedan höger mot slutet av århundradet i norra Frankrike, Italien och Centraleuropa fram till Ryssland. Med värdet av Adj., som tillhör just denna stil: mobil, fasad, rokoko smak. förlängning, konstgjorda lambiccato, men inte utan nåd: en frisyr rokokon.

Art: i Frankrike
Kraftigt motsatte sig modern classicistiche strömmar och tardobarocche, rokoko ansågs negativt under hela 1800-talet tills den första kritiska analys utförs av bröderna Goncourt de som varnat både nära relation med en viss uppfattning av det sociala livet, både estetiska revolutionerande informera honom. Ideologiskt rokoko är det konstnärliga uttrycket för aristokratin i cosmopolitan kommer i slutet av sin historiska funktion som maskerar samvete sjunka med en filosofi om skatteflykt från verkligheten, att skapa en fiktiv värld på myten om evig ungdom och unruffled serenity. Socialt beteende därefter justeras på begreppen förfining och elegans, tills lättsinne å ena sidan och den filosofiska libertinism från en annan. Flykten från verkligheten uppstår både på den intellektuella nivå och på det existentiella och varje detalj av miljön bör beviljas till liv: allt måste vara vackert, faktiskt “nice”, eftersom begreppet skönhet omfattar endast vad är känslig och ömtålig, nyanserad, tydligt, pittoreska. Enligt denna aspekt vi förstår då “behovet” av en viss typ av kläder (klädkammaren läs av silke och olika muslimska i pastellfärger, vit peruk som embellishes ansikte och gör utan ålder, sedan evigt unga), vilket motsvarar en särskild typ av miljö för att leva. Den estetiska revolutionen i rokoko inträffar i harmoniska samspelet mellan alla detaljer i inredningen, vilket också bidrar till alla konst (och “mindre” utvärderas naturligtvis på en nivå med de traditionellt “ädla”) se skapandet av organiska miljöer och homogena. Det historiska faktum som du börjar rokoko (även om lokalerna är spårbara eftersom de sista åren av 17-talet) är överföring av revisionsrätten från Versailles i Paris efter Ludvig XIV (1715) på uppdrag av regent hertigen av Orléans, att bestämmas för adeln att omorganisera den privata palats i huvudstaden, med långa år bebos endast ibland. För att undanröja den trånga utrymmen utvecklades snabbt under perioden av regency smaken för den bleka väggar, “öppna” genom det överflöd av speglar och illeggiadrite stuckaturer ljus för små möbler och lackerade i pastellfärger, för chefer också från den ljusa nyanser, för smycken av minsta storlek och oseriöst, i tydlig motsättning till möbler Louis XIV, praktfulla (men också tunga) domineras av mörka färger och skönmålande. Sällsynt i Frankrike stora arkitektoniska idéer, som usufruirono strukturer barock fortfarande lika mycket som mycket nykter och funktionella, syftar i praktiken som ett stöd för dekoration, mest av att inre fasader, härledas från en rad repertories (det bör erinras om att i 1734 av J. A. Meissonnier, vars ritningar påverkas djupt av snideri och guldsmeder i epoch); denna dekoration baserades på oändliga variationer, bättre om asymmetriskt, böjd linje som definieras naturliga element (blad, blommor, djur) enligt en anda graciösa som ofta hänvisas till exotiska elegans och utmärkt i Mellanöstern (mästerverk i denna bemärkelse är Hôtel de Matignon nr Pineau för 1720-31 och Hôtel de Soubise i G. Boffrand, inredda av F. Boucher, 1736). I franska arkitektur är i själva verket betydligt vanligare att konstruktioner av små dimensioner för parker och trädgårdar (readapted ibland dessa “engelska” enligt idealen i den pittoreska, mer anpassad till den nya smaken): paviljonger för jakt, “Casini läckerheter”, sans-soucis, monrepos, ermitages, alla anslutna med behov av världsliga liv. Skulpturen var en fin dekorativ uteslutande, mjukna formar, berikad av beskrivande uppgifter och i allmänhet porträttera mytologiska figurer enligt en avsikt erotiska. Lackering, från den klara färger och fantastisk spridas ut till tryck och nyanserna på ett snabbt upprättande och trasiga, har smala analogier med porslin, gravyr, tyger för möbler, eftersom skildrar pastorala scener, vill fira minnet, galanti högtider och campestri, erotiska episoder, dagliga chronicles, uttrycker med ironiskt brytningar malicious eller principerna för ett liv som oseriöst men raffinerad. I Frankrike är det vanligt att skilja en första period Regency (1715-30) i generering av arkitekten G. M. Oppenordt av dekoratör F. A. Vassé och ebanist Ch. Cressent, målare J-A. Watteau, J. B. Pater och J.-M. Karossfärg Nattier; en period rocaille (1730-45) som finner sitt högsta uttryck i Meissonnier, Pineau, Boucher och Chardin; en sista perioden Pompadour (1745-64) involuto redan i vissa dekorativa tungroddhet och delvis påverkas av linearismo klassicistisk, företrädd av arkitekten J. A. Gabriel, dekorera med Verbeckt J. och J. H. Fragonard-.

Art: i andra europeiska länder
Utanför Frankrike rokoko blev utbrett i korta assolutistiche som antas som en modell för socialt liv den franska adeln, Idealiserad depositarie för att veta hur vi skall leva och smak. Under tioårsperioden 1730-40 konstnärer och franska hantverkare i själva verket var inbjuden i alla domstolar i Europa börjar med företeelsen internationalisering av den figurativa kultur är typisk för hela andra hälften av 1900-talet. Detta fenomen bodde just på bild av irrande artist (för Italien, det räcker med att tänka på Tiepolo och Rosalba Carriera), som stimuleras framför allt utvecklingen av hantverk på kanonerna är gemensamma för hela Europa, enligt en process som styrs inte bara av utvecklingen av smak men också och deklareras av samma härskare, lagar om ekonomisk expansion. Liknande rörelser rococo, även om de inte helt identifierad med det var uppenbarad i England (i möbler Chippendale, genom vars tolkningar, dessutom rokoko smak introducerades i Amerika och i vissa teman bildmässig från hogarths till GRÖDINGE) och i Spanien (churriguerismo). För Italien kan tala om rokoko särskilt för dekorativ konst, delägare i det internationella smak (Stuckaturer av Serpotta; “Kinesiska skåpet” för Palace i portici, nu på Capodimonte, allt porslin och speglar), medan arkitektoniska konstruktioner till nyckfulla växter krökar ägde rum endast i privata byggnader av små dimensioner (Villa Palagonia i Bagheria, nära Palermo), som fortfarande lever i barockstil tradition, särkilt committenza kyrkliga. När det gäller det italienska mobil, smaken av den franska rococo utvecklats genom partiellt antagande av designelement Ludvig XV och progressiv omvandling av delar av den barocka utsmyckning (stil barock). I Venedig, inom ramen för den oberoende utveckling (och riktar sig till stor del utländska klienter) av att måla, kan du definiera i rokoko stil valet av motiv som infall, fantastisk utsikt och scen av liv (Marco Ricci, Zais, Guardi och’Longhi) och den utbredda användningen av pastel och vattenfärger (Rosalba Carriera). Stilen av rokoko mötte sin stora utvecklingsprojekt i de tyskspråkiga länderna enligt två destinationer exakt och tydligt differentierade: å ena sidan arkitektur och hantverk till domstolarna, som utarbetas också ursprungliga former men alltid inuti den franska modellen å andra sidan arkitekturen, förstås som en syntes mellan utrymme och inredning av kyrkor och kloster, som representerar den sista stora självständiga uttryck av denna gren av arkitektur. Runt de många tyska domstolar proliferarono slott, noble, bostäder, små konstruktioner av pleasure, som förutsätts i storlek empati eller ens retoriska växter till krökta linjer och elliptiska privat byggande franska (endast kungliga slotten du nyversioner av monumentality klassicistisk Versailles) och utvecklade dekorationen i tonerna mer eller mindre återhållsamma, enligt exakta lokala varianter (uppehållstillstånd för Prince-biskop i Würzburg, 1719-44, B. Neumann, i samarbete med R. de kokta och J. L. gårdsföretaget Hildebrandt och fresker av Tiepolo, Palazzina di Capo Caccia av Amalienburg i Park Nymphenburg i München, 1734, F. de Cuvilliés). Religiös arkitektur blomstrade särskilt i Bayern och i Böhmen, med bröderna Asam, D. Zimmerman, dientzenhofer och, i Österrike, i synnerhet med Fischer von Erlach, som utvecklade lokaler redan i arkitekturen lokala tardobarocca anländer till byggande byggnader präglas av rymd och ljus (en unik plats att plantera runda, elliptiska eller ovala, vita väggar, stora och talrika fönster, stuckaturer och skönmålande att betona de strukturella element och inramar kanfaser och fresker), där de utför en perfekt harmoni och en sammanlänkningen totala mellan konstruktiva element och figurativa. Även illustrerad produktion inte antas en självständig roll, men med tanke på de särskilda behov som riktades nästan uteslutande för att illustrera historiska motiv-fest i allegoriska toner-Mytologiska och religiösa teman; det utvecklats till stora kanfaser och fresker, trots de betydande lightness och vaporosità utförande, härrör från barock dekoration Italiana (F. A. Maulbertsch, J. W. Bergl).

Allmän beskrivning
Loc. Engelska (förkortning av populära konst, populära art) används i italienska som sf. Infört av akademiker L. Flieder och R. Banham och antogs 1961 av kritikern engelska L. Alloway, termen betecknar en konstnärlig rörelse av avant-garde födda parallellt i Storbritannien och USA runt 1955, som en reaktion på målning av abstrakta expressionister. Konstnärerna av pop art rita formar och språk från repertoar av mass-media, dvs. kommunikationsmedel och massa kultur: tv, reklam bilder, fotografier, comics, förbrukningsartiklar, etc.; de tjänar därför bilder och objekt som redan existerar, manipuleras och presenteras på olika sätt, du fyller på en ny expressiveness. Syftet är att dra den konstnärliga verksamheten till sin karaktär av unika erfarenheter och subjektiva, för riaccostare istället konst till vardagen. På sommaren 2011 var mer än 4500 cyklade kilometer av triviala och det dagliga livet pop art, som förmedlas av olika erfarenheter av Kubismen, Futurism, Dadaism och surrealism, hade sin första definition i Storbritannien genom aktiviteter av den oberoende gruppen i London (1953-58). Den första opera engelsk pop, skapad av Richard Hamilton, var inskrivet i utställningen “Detta är framtiden” som hölls i London 1956. I usa pop art uppstod från konsumtion av abstrakta upplevelser, stannar i slutet av informell och särskilt genom exaltations av “objekt förbrukas” av konstnärer i nya Dada.
Den spanska konstnären (Fuente de Cantos, Badajoz, 1598 och Madrid 1664). Han är utbildad i Sevilla, då den livliga centrum till ett figurativt kultur av realistisk karaktär. År 1617 öppnade han sin egen butik på Llerena, i Extremadura, men 1629 bosatte han sig tillbaka till Sevilla och vistats där (förutom en vistelse i Madrid 1634) tills 1659 ca. När minskas, i extrem fattigdom, flyttade han till Madrid där han försökte förgäves att införas i det kulturella klimatet i staden. Aktiviteten av Zurbaran esplicò är nästan uteslutande i heliga bilder av mycket hög siffra (ca. 600) och kvalitet ibland inte sublime, delvis på grund av den utbredda användningen av collaborators, ögonblick av kris av målare, särskilt under de sista åren av livet då det ansågs passerade genom hans samtida för Murillo. Stilen av Zurbaran innefattar både naturalism typisk sevilliansk, utvecklas och anpassas till de högsta resultaten för användning av färg, alltid lucid och bländande även i mörka toner, både disegnativa tradition av Mannerism spanska, som bär målare för att lösa sina kompositioner i siffrorna i första våningen, från eleganta konturer och framtänder, klart avgränsade från den neutrala medel eller mörka, utanför någon historisk atmosfär. De flesta av hans arbeten utfördes enligt devotional cykler för kyrkor och kloster i Sevilla och andra spanska städer (för närvarande finns utspridda bland olika museer), uppriktigt delaktiga i religiösa känslan populära (målningar för Merced Calzada i Sevilla, 1629; målningar för Nuestra Senora de la Defension i Jerez de la Frontera, 1638-39). Den berömda serien av heliga som pierce genom misticheggianti ledtrådar till fest dekorativa elegant. Runt 1633 Zurbaran ägnar sig även för en kort tid till Natura morta, lämnar ett av de största mästerverken i genren, av absolut renhet: skål av cederträ, en korg av apelsiner och kopp med rosa (1633, redan i Florens, Contini Bonacossi samling, från 1973 i Los Angeles, Pasadena, Norton Simon Foundation). Påverkan av Zurbaran, ganska begränsade i Spanien, var i stället är enorm i Latinamerika, särskilt i Peru, där målaren skickat många arbeten under perioden 1640-58.

Murillo, Bartolomé Esteban
Den spanska konstnären Sevilla (1617-1682). Den konstnärliga början av Murillo var huvudsakligen kopplade till stadens jul, först som student av medelmåttig Juan del Castillo, sedan som oberoende målare, känslig för konsten att Ribera, zurbarán, Velázquez, den ungdomliga verk, stark i design och modelleras men i huvudsak lite original den också visa sharer generisk caravaggismo hovering i spansk miljö. Kontakter med den italienska målning, genom B. Cavallino och A. Vaccari, flamländska och (kanske besökt kungliga samlingar under en resa till Madrid 1648, där han kunde studera verk av Rubens och van Dyck), drivit en originell tolkning av colorismo veneto som förenar en ljus använd djupt scenografisk formgivning och barock. Dessa tecken förekommer redan i elva målningar med miraklen av franciskanska heliga för klostret homonyma i Sevilla (1645-48), idag spridda och i födelsen av Virgin (Paris, Louvren, Triumfatoriska början på en lång verksamhet vid service av confraternities och religiösa samfund inom vilka Murillo visat sig vara uppriktiga tolk och övertygande av mysticism motreformistiska fängelser. Tolkningen realistiska försiktigt populära folkmusik och kommunikativa av heliga episod, alltmer uppenbart i verk mogna (cykel för Hospice för välgörenhet i Sevilla, ca. 1670-80: läkning av lame vid poolen, London, National Gallery; den förlorade sonens återkomst, Washington, Nationalgalleriet), gick till en förfining av färg och hög kvalitet formella, har gjort av kompositioner av Murillo ämnen de mest populära religiösa oleografia (tänker på otaliga versioner av den obefläckade befruktningen, varav några i Madrid Prado), som har kommit att förändra, slitage på bilden, verkliga och högt konstnärligt värde. Cyklerna av målningar av släktet popolaresco (pojkar som äter frukt, Monaco, Alte Pinakothek galiciska; fönster, Washington, Nationalgalleriet), effektiva öppningar på picaresque världen som invigdes en genre destinatoa stor framgång fram till 1700-talet, och porträtt av naturalistisk inställning (gentleman med krage, Madrid, Prado), kommer att bidra till att klargöra den djupaste inspiration av konstnären, som syftar till att öka uttrycksfulla möjligheter för färg, ibland med compiacimenti dygdiga. “Att fördjupa se Gedea Art vol. 7 pp 262-269” “att fördjupa se Gedea Art vol. 7 pp 262-269”

Lexikon
Sm. [Från franska rococo, förändring, Lättsamma av rocaille]. Den dekorativa stilen som utvecklades i Paris kring 1730 och som dominerade på andra stilar för omkring tjugo år, spridning och sedan höger mot slutet av århundradet i norra Frankrike, Italien och Centraleuropa fram till Ryssland. Med värdet av Adj., som tillhör just denna stil: mobil, fasad, rokoko smak. förlängning, konstgjorda lambiccato, men inte utan nåd: en frisyr rokokon.

Art: i Frankrike
Kraftigt motsatte sig modern classicistiche strömmar och tardobarocche, rokoko ansågs negativt under hela 1800-talet tills den första kritiska analys utförs av bröderna Goncourt de som varnat både nära relation med en viss uppfattning av det sociala livet, både estetiska revolutionerande informera honom. Ideologiskt rokoko är det konstnärliga uttrycket för aristokratin i cosmopolitan kommer i slutet av sin historiska funktion som maskerar samvete sjunka med en filosofi om skatteflykt från verkligheten, att skapa en fiktiv värld på myten om evig ungdom och unruffled serenity. Socialt beteende därefter justeras på begreppen förfining och elegans, tills lättsinne å ena sidan och den filosofiska libertinism från en annan. Flykten från verkligheten uppstår både på den intellektuella nivå och på det existentiella och varje detalj av miljön bör beviljas till liv: allt måste vara vackert, faktiskt “nice”, eftersom begreppet skönhet omfattar endast vad är känslig och ömtålig, nyanserad, tydligt, pittoreska. Enligt denna aspekt vi förstår då “behovet” av en viss typ av kläder (klädkammaren läs av silke och olika muslimska i pastellfärger, vit peruk som embellishes ansikte och gör utan ålder, sedan evigt unga), vilket motsvarar en särskild typ av miljö för att leva. Den estetiska revolutionen i rokoko inträffar i harmoniska samspelet mellan alla detaljer i inredningen, vilket också bidrar till alla konst (och “mindre” utvärderas naturligtvis på en nivå med de traditionellt “ädla”) se skapandet av organiska miljöer och homogena. Det historiska faktum som du börjar rokoko (även om lokalerna är spårbara eftersom de sista åren av 17-talet) är överföring av revisionsrätten från Versailles i Paris efter Ludvig XIV (1715) på uppdrag av regent hertigen av Orléans, att bestämmas för adeln att omorganisera den privata palats i huvudstaden, med långa år bebos endast ibland. För att undanröja den trånga utrymmen utvecklades snabbt under perioden av regency smaken för den bleka väggar, “öppna” genom det överflöd av speglar och illeggiadrite stuckaturer ljus för små möbler och lackerade i pastellfärger, för chefer också från den ljusa nyanser, för smycken av minsta storlek och oseriöst, i tydlig motsättning till möbler Louis XIV, praktfulla (men också tunga) domineras av mörka färger och skönmålande. Sällsynt i Frankrike stora arkitektoniska idéer, som usufruirono strukturer barock fortfarande lika mycket som mycket nykter och funktionella, syftar i praktiken som ett stöd för dekoration, mest av att inre fasader, härledas från en rad repertories (det bör erinras om att i 1734 av J. A. Meissonnier, vars ritningar påverkas djupt av snideri och guldsmeder i epoch); denna dekoration baserades på oändliga variationer, bättre om asymmetriskt, böjd linje som definieras naturliga element (blad, blommor, djur) enligt en anda graciösa som ofta hänvisas till exotiska elegans och utmärkt i Mellanöstern (mästerverk i denna bemärkelse är Hôtel de Matignon nr Pineau för 1720-31 och Hôtel de Soubise i G. Boffrand, inredda av F. Boucher, 1736). I franska arkitektur är i själva verket betydligt vanligare att konstruktioner av små dimensioner för parker och trädgårdar (readapted ibland dessa “engelska” enligt idealen i den pittoreska, mer anpassad till den nya smaken): paviljonger för jakt, “Casini läckerheter”, sans-soucis, monrepos, ermitages, alla anslutna med behov av världsliga liv. Skulpturen var en fin dekorativ uteslutande, mjukna formar, berikad av beskrivande uppgifter och i allmänhet porträttera mytologiska figurer enligt en avsikt erotiska. Lackering, från den klara färger och fantastisk spridas ut till tryck och nyanserna på ett snabbt upprättande och trasiga, har smala analogier med porslin, gravyr, tyger för möbler, eftersom skildrar pastorala scener, vill fira minnet, galanti högtider och campestri, erotiska episoder, dagliga chronicles, uttrycker med ironiskt brytningar malicious eller principerna för ett liv som oseriöst men raffinerad. I Frankrike är det vanligt att skilja en första period Regency (1715-30) i generering av arkitekten G. M. Oppenordt av dekoratör F. A. Vassé och ebanist Ch. Cressent, målare J-A. Watteau, J. B. Pater och J.-M. Karossfärg Nattier; en period rocaille (1730-45) som finner sitt högsta uttryck i Meissonnier, Pineau, Boucher och Chardin; en sista perioden Pompadour (1745-64) involuto redan i vissa dekorativa tungroddhet och delvis påverkas av linearismo klassicistisk, företrädd av arkitekten J. A. Gabriel, dekorera med Verbeckt J. och J. H. Fragonard-.

azeazeazeazeazeazeazeazeazeazeazeazeazeazeazeazeazeazeazeazeazeazeazeazeazeazeazeazeazeazeazeazeazeazeazeazeaze aze aze aze aze aze aze aze aze aze aze aze aze aze aze azeazeaze aze aze aze aze aze aze aze aze aze aze aze aze aze aze aze aze aze aze aze aze aze aze aze aze aze aze aze aze aze aze aze aze aze aze aze aze aze

Art: i andra europeiska länder
Utanför Frankrike rokoko blev utbrett i korta assolutistiche som antas som en modell för socialt liv den franska adeln, Idealiserad depositarie för att veta hur vi skall leva och smak. Under tioårsperioden 1730-40 konstnärer och franska hantverkare i själva verket var inbjuden i alla domstolar i Europa börjar med företeelsen internationalisering av den figurativa kultur är typisk för hela andra hälften av 1900-talet. Detta fenomen bodde just på bild av irrande artist (för Italien, det räcker med att tänka på Tiepolo och Rosalba Carriera), som stimuleras framför allt utvecklingen av hantverk på kanonerna är gemensamma för hela Europa, enligt en process som styrs inte bara av utvecklingen av smak men också och deklareras av samma härskare, lagar om ekonomisk expansion. Liknande rörelser rococo, även om de inte helt identifierad med det var uppenbarad i England (i möbler Chippendale, genom vars tolkningar, dessutom rokoko smak introducerades i Amerika och i vissa teman bildmässig från hogarths till GRÖDINGE) och i Spanien (churriguerismo). För Italien kan tala om rokoko särskilt för dekorativ konst, delägare i det internationella smak (Stuckaturer av Serpotta; “Kinesiska skåpet” för Palace i portici, nu på Capodimonte, allt porslin och speglar), medan arkitektoniska konstruktioner till nyckfulla växter krökar ägde rum endast i privata byggnader av små dimensioner (Villa Palagonia i Bagheria, nära Palermo), som fortfarande lever i barockstil tradition, särkilt committenza kyrkliga. När det gäller det italienska mobil, smaken av den franska rococo utvecklats genom partiellt antagande av designelement Ludvig XV och progressiv omvandling av delar av den barocka utsmyckning (stil barock). I Venedig, inom ramen för den oberoende utveckling (och riktar sig till stor del utländska klienter) av att måla, kan du definiera i rokoko stil valet av motiv som infall, fantastisk utsikt och scen av liv (Marco Ricci, Zais, Guardi och’Longhi) och den utbredda användningen av pastel och vattenfärger (Rosalba Carriera). Stilen av rokoko mötte sin stora utvecklingsprojekt i de tyskspråkiga länderna enligt två destinationer exakt och tydligt differentierade: å ena sidan arkitektur och hantverk till domstolarna, som utarbetas också ursprungliga former men alltid inuti den franska modellen å andra sidan arkitekturen, förstås som en syntes mellan utrymme och inredning av kyrkor och kloster, som representerar den sista stora självständiga uttryck av denna gren av arkitektur. Runt de många tyska domstolar proliferarono slott, noble, bostäder, små konstruktioner av pleasure, som förutsätts i storlek empati eller ens retoriska växter till krökta linjer och elliptiska privat byggande franska (endast kungliga slotten du nyversioner av monumentality klassicistisk Versailles) och utvecklade dekorationen i tonerna mer eller mindre återhållsamma, enligt exakta lokala varianter (uppehållstillstånd för Prince-biskop i Würzburg, 1719-44, B. Neumann, i samarbete med R. de kokta och J. L. gårdsföretaget Hildebrandt och fresker av Tiepolo, Palazzina di Capo Caccia av Amalienburg i Park Nymphenburg i München, 1734, F. de Cuvilliés). Religiös arkitektur blomstrade särskilt i Bayern och i Böhmen, med bröderna Asam, D. Zimmerman, dientzenhofer och, i Österrike, i synnerhet med Fischer von Erlach, som utvecklade lokaler redan i arkitekturen lokala tardobarocca anländer till byggande byggnader präglas av rymd och ljus (en unik plats att plantera runda, elliptiska eller ovala, vita väggar, stora och talrika fönster, stuckaturer och skönmålande att betona de strukturella element och inramar kanfaser och fresker), där de utför en perfekt harmoni och en sammanlänkningen totala mellan konstruktiva element och figurativa. Även illustrerad produktion inte antas en självständig roll, men med tanke på de särskilda behov som riktades nästan uteslutande för att illustrera historiska motiv-fest i allegoriska toner-Mytologiska och religiösa teman; det utvecklats till stora kanfaser och fresker, trots de betydande lightness och vaporosità utförande, härrör från barock dekoration Italiana (F. A. Maulbertsch, J. W. Bergl).

Allmän beskrivning
Loc. Engelska (förkortning av populära konst, populära art) används i italienska som sf. Infört av akademiker L. Flieder och R. Banham och antogs 1961 av kritikern engelska L. Alloway, termen betecknar en konstnärlig rörelse av avant-garde födda parallellt i Storbritannien och USA runt 1955, som en reaktion på målning av abstrakta expressionister. Konstnärerna av pop art rita formar och språk från repertoar av mass-media, dvs. kommunikationsmedel och massa kultur: tv, reklam bilder, fotografier, comics, förbrukningsartiklar, etc.; de tjänar därför bilder och objekt som redan existerar, manipuleras och presenteras på olika sätt, du fyller på en ny expressiveness. Syftet är att dra den konstnärliga verksamheten till sin karaktär av unika erfarenheter och subjektiva, för riaccostare istället konst till vardagen. På sommaren 2011 var mer än 4500 cyklade kilometer av triviala och det dagliga livet pop art, som förmedlas av olika erfarenheter av Kubismen, Futurism, Dadaism och surrealism, hade sin första definition i Storbritannien genom aktiviteter av den oberoende gruppen i London (1953-58). Den första opera engelsk pop, skapad av Richard Hamilton, var inskrivet i utställningen “Detta är framtiden” som hölls i London 1956. I usa pop art uppstod från konsumtion av abstrakta upplevelser, stannar i slutet av informell och särskilt genom exaltations av “objekt förbrukas” av konstnärer i nya Dada.