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dehmodelamz

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Bio/Description

O pintor espanhol (Fuente de Cantos, Badajoz, 1598-Madrid 1664). Ele treinado em Sevilha, então o animado centro de uma marca figurativa a cultura da natureza realista. Em 1617 ele abriu sua própria loja em Llerena, na Extremadura, mas em 1629 ele resolvidos voltar a Sevilha e permaneceram (exceto uma estadia em Madrid em 1634) até 1659 ca. Quando reduzida, em condições de extrema pobreza, ele se mudou para Madri onde ele tentou em vão para ser inserido no clima cultural da cidade. A actividade do Zurbaran esplicò é quase exclusivamente na produção de imagens sagradas do número muito elevado (ca. 600) e qualidade às vezes não sublime, devido em parte à utilização generalizada de colaboradores, em parte para momentos de crise do pintor, especialmente nos últimos anos de vida quando era considerado aprovado pelos seus contemporâneos em favor do Murillo. O estilo do Zurbaran compreende tanto o naturalismo típico de Sevilha, desenvolvido e levadas ao mais alto resultados para o uso de cores, sempre lúcido e deslumbrante mesmo em tons escuros; disegnativa tanto a tradição do maneirismo espanhol, que transporta o pintor para resolver suas composições nas figuras do primeiro andar, de contornos elegantes e incisivos superiores, claramente separados dos fundos neutro ou escuro, fora de qualquer ambiente histórico. A maioria das suas obras foram realizados como ciclos devocionais para as igrejas e mosteiros de Sevilha e outras cidades espanholas (actualmente dispersas entre vários museus), sinceramente partícipes do sentimento religioso popular (pinturas para a Merced Calzada em Sevilha, 1629; pinturas de Nuestra Señora de la Defension em Jerez de la Frontera, 1638-39). A famosa série de santos que pierce por misticheggianti pistas visuais para celebração elegantemente decorativas. Cerca de 1633 Zurbaran dedicou também por um curto período de tempo para a Natura famões – odivelas, deixando uma das maiores obras-primas do género, de pureza absoluta: prato de cedros, um cesto de laranjas e a xícara com Rosa (1633, já em Florença, o Contini Bonacossi Coleção, a partir de 1973 em Los Angeles Pasadena, Norton Simon Foundation). A influência do Zurbaran, bastante limitado em Espanha, foi uma vez enorme na América Latina, especialmente no Peru, onde o pintor enviaram numerosas obras durante o período 1640-58.

Murillo, Bartolomé Esteban
O pintor espanhol Sevilha (1617-1682). Os primórdios da artística Murillo foram essencialmente ligada à cidade natal, primeiro como estudante de medíocre Juan del Castillo, depois como pintor independente, sensível à arte de Ribera, Zurbarán, Velázquez; o jovem trabalha, forte em design e modelados mas substancialmente pouco originais a demonstrar também um participante da genérica caravaggismo pairando no ambiente espanhol. Contatos com o italiano pintura, através de B. O Cavallino e A. Vaccari, Flamengo e (talvez visitou a colecções reais durante uma viagem a Madrid em 1648, onde ele poderia estudar as obras de Rubens e Van Dyck), dinamizado uma interpretação original de colorismo veneto para que se junte a uma utilização leve profundamente cenográfica e barroco; estes caracteres já aparecem no onze pinturas com milagres de Santos Franciscanos para o convento da ordem homónimas em Sevilha (1645-48), hoje dispersos, e no nascimento da Virgem (Paris, Louvre), triunfalista primórdios de uma longa actividade ao serviço das confrarias e ordens religiosas dentro do qual Murillo provou ser sincero intérprete e convincente de misticismo contra-reformistas. A interpretação realista suavemente, popular folk e comunicativo do sagrado episódio, cada vez mais evidente nas obras maduras (ciclo para o Hospício de caridade em Sevilha, ca. 1670-80: a cura do paralítico na piscina, Londres, Galeria Nacional; o regresso do filho pródigo, Washington, Galeria Nacional), aderiram à sofisticação de cor e de alta qualidade formal, fizeram das composições de Murillo temas mais populares dos religiosos oleografia (pensando das inúmeras versões da Imaculada Conceição, dos quais alguns em Madrid Prado), que tem vindo a alterar, no desgaste da imagem real e elevado valor artístico. Os ciclos de pinturas de género popolaresco (meninos que comer fruta, Mónaco, Alte Pinakothek Galego; a janela, Washington, Galeria Nacional), aberturas eficaz sobre a influências picarescas mundo que inaugurou um género destinatoa grande sucesso até o século XVIII apresentados e os retratos de definição naturalista (Cavaleiro com gola, Madrid, Prado), contribuirão para clarificar a inspiração mais profunda do artista, que visa reforçar as possibilidades expressivas da cor, por vezes com compiacimenti virtuosa. “Para aprofundar Ver Gedea Art vol 7 pp 262-269” “para aprofundar Ver Gedea Art vol 7 pp 262-269”

O Léxico
Sm. [A partir franceses rococó, alteração, lírico de rocaille]. O estilo decorativo que se desenvolveu em Paris cerca de 1730 e que dominado sobre outros estilos de cerca de vinte anos, espalhamento e depois à direita para o final do século nas regiões do norte da França, da Itália e da Europa Central até a Rússia. Com o valor de Adj., pertencente ao, exactamente este estilo: mobile, fachada, sabor rococó; para extensão, lambiccato artificial, mas não sem a graça: um penteado rococó.

Arte: em França
Oposição feroz por correntes e tardobarocche classicistiche contemporâneo, o rococó foi considerada negativa ao longo de todo o século XIX até a primeira análise crítica efectuada pelos irmãos De Centre Pompidou 1.7, que alertava tanto a estreita relação com uma determinada concepção da vida social, tanto a estética revolucionária informando-o. Ideologicamente o rococó é a expressão artística da aristocracia da cosmopolita cidade de chegar ao final de sua função histórica, que disfarça a consciência do declínio com uma filosofia de evasão da realidade, criando um mundo fictício sobre o mito da eterna juventude e da serenidade imperturbado. Comportamento social é então ajustado em conceitos de requinte e elegância, até a frivolidade dos uma parte e o pensamento filosófico libertinagem de outro. A fuga da realidade ocorre tanto no nível intelectual e sobre o percurso existencial e cada detalhe do ambiente deve ser concedida para o caminho da vida: tudo deve ser bonito, com efeito “Nice”, uma vez que o conceito de beleza é composta por si só o que é delicada e frágil, matizada, claro, pitoresca. Sob este aspecto compreendemos então a “necessidade” de um determinado tipo de vestuário (paramentos ler de seda e musselina em tons pastel, branco peruca que embeleza o rosto e faz sem idade, então eternamente jovem), o que corresponde a um determinado tipo de ambiente no qual viver. A revolução estética do rococó ocorre na realidade na interacção harmoniosa de todos os detalhes do mobiliário que contribuam igualmente para todas as artes (e o “menores” são avaliados obviamente a par com os tradicionalmente “nobres”) consulte a criação de ambientes orgânicos e homogênea. O fato histórico a partir do qual você começar o rococó (mesmo se as instalações são rastreáveis desde os últimos anos do século XVII) é a transferência do tribunal de Versalhes em Paris após a morte de Louis XIV (1715), encomendado pela regent Duque de Orléans, o facto de determinados para a nobreza a necessidade de reorganizar os palácios privados da capital, por longos anos habitada apenas ocasionalmente. Para obviar a espaços confinados desenvolvido rapidamente no período do regency o gosto do paredes pálidas, “aberto” pela profusão de espelhos e luz de trabalho de estuque illeggiadrite para pequenas e mobiliário lacado em tons pastel, para executivos também a partir da luz de tons, para os enfeites de tamanho mínimo e sujeito frívolos, em clara oposição a mobiliário Louis XIV, sumptuoso (mas também pesado) dominado por cores escuras e pela sobreposição inútil. Raros foram em França os grandes realizações arquitetônicas, que estruturas usufruirono ainda barroco como muito como muito sóbria e funcional, destinadas na prática como um apoio da decoração, mais do que nas fachadas interior, inferida a partir de toda uma série de repertories (recorde-se que em 1734 por J. A. Meissonnier, cujos desenhos influenciou profundamente sobre produção de entalhadores e ourives da época); esta decoração foi feita com base em variações de infinito, melhor se assimétrica, a linha curva que definiu os elementos naturais (folhas, flores, animais) segundo um espírito gracioso que frequentemente referido exótica elegância e fabuloso do Oriente (obras-primas nesse sentido são o Hôtel de Matignon de n° Pineau de 1720-31 e o Hôtel de Soubise de G. Boffrand, também decorado por F. Boucher, 1736). Na arquitetura francesa são de facto muito mais freqüentes as construções de pequenas dimensões para parques e jardins (readequadas às vezes essas “Inglês” de acordo com os cânones da pitoresca, mais adaptada para o novo gosto): os pavilhões da caça, o “Casini de delícias”, sans-soucis, monrepos, ermitages, todos conectados com as necessidades da vida mundana. A escultura foi um bom exclusivamente decorativos, amenizando as formas, enriquecido por detalhes descritivos e geralmente retratar personagens mitológicos de acordo com uma declaração de intenção de natureza erótica. A pintura de a cor clara e brilhante se alastrar para fora para tocar e nuances em um desenho rápido e quebrada, estreitas analogias com a porcelana, gravura, a tecidos para mobiliário, desde Retrata cenas de pastoral, idylls, festas galanti e campestri, episódios erótico, Diário crônicas, expressando com irónico acentos maliciosa ou os princípios de uma vida frívola mas requintado. Para a França é habitual para distinguir um primeiro período Regency (1715-30) na geração do arquitecto G. M. Oppenordt de decorador F. A. Vassé e do ebanist Ch. Cressent, de pintores J.-A. Watteau, J. B. Pater e J.-M. Nattier; um período rocaille (1730-45) que encontra a sua máxima expressão na Meissonnier, Pineau, Boucher e Chardin; um último período Pompadour (1745-64) involuto já em certas complexidade decorativa e em parte influenciado pelo linearismo estilo neoclássico, representada pelo arquitecto J. A. Gabriel, decoração por J. Verbeckt e J. H. Fragonard.

Arte: em outros países europeus
Fora de França o rococó se generalizou em curto assolutistiche que assumiu como um modelo de vida social a nobreza francesa, idealizado como depositário do saber viver e gosto. Na década 1730-40 artistas e artesãos franceses foram de fato convidados em todos os tribunais da Europa começando com o fenômeno da internacionalização da marca figurativa a cultura típica de toda a segunda metade do século. Este fenómeno viveu precisamente sobre a figura do artista errante (Para Itália é suficiente pensar de Tiepolo e Rosalba Carriera), que estimulada sobretudo o desenvolvimento do artesanato no cânones são comuns a toda a Europa, de acordo com um processo regulado não só pela evolução do gosto mas também, e declarada pelo mesmo governantes, pelas leis da expansão económica. Movimentos semelhantes para o rococó, ainda que não totalmente identificados com ele, se manifestaram em Inglaterra (em mobiliário Chippendale, através de cujo interpretações, além disso, o sabor rococó foi introduzido na América e em determinados temas de Hogarth a Gainsborough pictórica) e em Espanha (churriguerismo). Para a Itália ele pode falar do rococó especialmente para artes decorativas, participantes no sabor internacional (a estuques de Serpotta; o “gabinete chinês” para o Palácio de Portici, agora no Capodimonte, tudo em porcelana e espelhos), enquanto construções arquitetônicas para plantas caprichosas curvas teve lugar apenas em edifícios privados de pequenas dimensões (Villa Palagonia em Novalaise perto de Palermo), sendo ainda viva a tradição barroca, ligada nomeadamente à committenza eclesiásticas No que diz respeito aos móveis italianos, o sabor da franceses rococó desenvolvidos através da adopção parcial de elementos estilísticos de Louis XV e a transformação progressiva dos elementos da ornamentação barroca (estilo Barroco). Em Veneza, no quadro do desenvolvimento independente (e abordada em grande parte para a clientes estrangeiros do que a pintura, você pode definir no estilo rococó a escolha de temas como o capricho, vista fantástica e a cena da vida (Marco Ricci, Zais, Guardi e Longhi) e a utilização generalizada de pastel e aquarela (Rosalba Carriera). O estilo do rococó reuniu seus principais ao desenvolvimento nos países de língua alemã de acordo com dois destinos precisa e claramente diferenciados: por um lado a arquitetura e o artesanato para os tribunais, que elaborou também formas originais mas sempre dentro do modelo francês, por outro lado a arquitetura, entendida como uma síntese entre o espaço e a decoração das igrejas e conventos, que representa a última grande expressão autónoma deste ramo específico da arquitetura. Cerca de numerosos tribunais alemães proliferarono castelos, a nobre residences, pequenas construções de prazer que assumiu em tamanho enfático ou mesmo retórico plantas para linhas curvas elípticas e de construção privado francês (apenas os castelos reais Você refaz a monumentalidade classicista Versailles) e desenvolveu a decoração em tons mais ou menos moderada de acordo com precisão variantes locais (residência para o príncipe-bispo de Würzburg, 1719-44, B. Neumann, com a colaboração de R. de cozidos e J. L. Hildebrandt, e frescos de Tiepolo; Palazzina di Caccia de Amalienburg no Parque Nymphenburg em Munique, 1734, F. de Cuvilliés). Arquitectura religiosa floresceu especialmente na Baviera e na Boémia, com os irmãos Asam, D. Zimmermann, Dientzenhofer e, na Áustria, especialmente com Fischer von Erlach, que desenvolveram instalações já existentes na arquitetura tardobarocca locais para chegar a construir edifícios caracterizado pela amplitude e brilho (um espaço único para a fábrica redondo, oval ou elíptica, paredes brancas, grandes e numerosos windows, estuques e sobreposição inútil que sublinham a elementos estruturais e enquadramento de telas e afrescos), onde realizam uma harmonia perfeita e uma interrelação entre o total de elementos construtivos e marca figurativa. Também a produção pictórica não assumiu um papel autónomo mas, dadas as necessidades específicas, foi dirigido quase exclusivamente para ilustrar temas históricos de celebração em tons alegórico-mitológico ou temas religiosos; então desenvolvida em grandes telas e afrescos que, apesar do considerável leveza e execução vaporosità, derivam da decoração barroca Italiana (F. A. Maulbertsch, J. W. Bergl).

Descrição geral
Loc. Inglês (abreviatura de arte popular, arte popular) utilizados em italiano como sf. Introduzida pelos estudiosos L. Flieder e R. Banham e adoptado em 1961 pelo crítico Inglês L. Alloway, o termo indica um movimento artístico de avant-garde nasceu em paralelo na Grã-Bretanha e os Estados Unidos em torno de 1955, como uma reacção à pintura de expressionistas abstractos. Os artistas da Pop art desenhe formas e o idioma a partir do repertório de mass media, ou seja dos meios de comunicação e da cultura de massa: televisão, publicidade imagens, fotografias, banda desenhada, ingredientes, etc; eles portanto servir de imagens e objetos que já existem como, manipulada e apresentados em diversas formas, você carregar uma nova expressividade. O objectivo do movimento é para subtrair a operação artística de seu caráter de experiência única e subjetiva, para riaccostare em vez arte a realidade do dia-a-dia. A figuração do trivial e a vida quotidiana da pop art, mediada por diferentes experiências de Cubismo, Futurismo, Dadaism e surrealismo, teve a sua primeira definição na Grã-Bretanha, através das actividades do grupo independente de Londres (1953-58). A primeira ópera Inglês pop, criado por Richard Hamilton, foi inscrito na exposição “Este é amanhã” realizada em Londres em 1956. Nos Estados Unidos a arte pop surgiu a partir do esgotamento do resumo de experiências, pelo pára no final da reunião informal e especialmente por exaltations do “objeto consumido” por artistas do Novo Dadá.
O pintor espanhol (Fuente de Cantos, Badajoz, 1598-Madrid 1664). Ele treinado em Sevilha, então o animado centro de uma marca figurativa a cultura da natureza realista. Em 1617 ele abriu sua própria loja em Llerena, na Extremadura, mas em 1629 ele resolvidos voltar a Sevilha e permaneceram (exceto uma estadia em Madrid em 1634) até 1659 ca. Quando reduzida, em condições de extrema pobreza, ele se mudou para Madri onde ele tentou em vão para ser inserido no clima cultural da cidade. A actividade do Zurbaran esplicò é quase exclusivamente na produção de imagens sagradas do número muito elevado (ca. 600) e qualidade às vezes não sublime, devido em parte à utilização generalizada de colaboradores, em parte para momentos de crise do pintor, especialmente nos últimos anos de vida quando era considerado aprovado pelos seus contemporâneos em favor do Murillo. O estilo do Zurbaran compreende tanto o naturalismo típico de Sevilha, desenvolvido e levadas ao mais alto resultados para o uso de cores, sempre lúcido e deslumbrante mesmo em tons escuros; disegnativa tanto a tradição do maneirismo espanhol, que transporta o pintor para resolver suas composições nas figuras do primeiro andar, de contornos elegantes e incisivos superiores, claramente separados dos fundos neutro ou escuro, fora de qualquer ambiente histórico. A maioria das suas obras foram realizados como ciclos devocionais para as igrejas e mosteiros de Sevilha e outras cidades espanholas (actualmente dispersas entre vários museus), sinceramente partícipes do sentimento religioso popular (pinturas para a Merced Calzada em Sevilha, 1629; pinturas de Nuestra Señora de la Defension em Jerez de la Frontera, 1638-39). A famosa série de santos que pierce por misticheggianti pistas visuais para celebração elegantemente decorativas. Cerca de 1633 Zurbaran dedicou também por um curto período de tempo para a Natura famões – odivelas, deixando uma das maiores obras-primas do género, de pureza absoluta: prato de cedros, um cesto de laranjas e a xícara com Rosa (1633, já em Florença, o Contini Bonacossi Coleção, a partir de 1973 em Los Angeles Pasadena, Norton Simon Foundation). A influência do Zurbaran, bastante limitado em Espanha, foi uma vez enorme na América Latina, especialmente no Peru, onde o pintor enviaram numerosas obras durante o período 1640-58.

Murillo, Bartolomé Esteban
O pintor espanhol Sevilha (1617-1682). Os primórdios da artística Murillo foram essencialmente ligada à cidade natal, primeiro como estudante de medíocre Juan del Castillo, depois como pintor independente, sensível à arte de Ribera, Zurbarán, Velázquez; o jovem trabalha, forte em design e modelados mas substancialmente pouco originais a demonstrar também um participante da genérica caravaggismo pairando no ambiente espanhol. Contatos com o italiano pintura, através de B. O Cavallino e A. Vaccari, Flamengo e (talvez visitou a colecções reais durante uma viagem a Madrid em 1648, onde ele poderia estudar as obras de Rubens e Van Dyck), dinamizado uma interpretação original de colorismo veneto para que se junte a uma utilização leve profundamente cenográfica e barroco; estes caracteres já aparecem no onze pinturas com milagres de Santos Franciscanos para o convento da ordem homónimas em Sevilha (1645-48), hoje dispersos, e no nascimento da Virgem (Paris, Louvre), triunfalista primórdios de uma longa actividade ao serviço das confrarias e ordens religiosas dentro do qual Murillo provou ser sincero intérprete e convincente de misticismo contra-reformistas. A interpretação realista suavemente, popular folk e comunicativo do sagrado episódio, cada vez mais evidente nas obras maduras (ciclo para o Hospício de caridade em Sevilha, ca. 1670-80: a cura do paralítico na piscina, Londres, Galeria Nacional; o regresso do filho pródigo, Washington, Galeria Nacional), aderiram à sofisticação de cor e de alta qualidade formal, fizeram das composições de Murillo temas mais populares dos religiosos oleografia (pensando das inúmeras versões da Imaculada Conceição, dos quais alguns em Madrid Prado), que tem vindo a alterar, no desgaste da imagem real e elevado valor artístico. Os ciclos de pinturas de género popolaresco (meninos que comer fruta, Mónaco, Alte Pinakothek Galego; a janela, Washington, Galeria Nacional), aberturas eficaz sobre a influências picarescas mundo que inaugurou um género destinatoa grande sucesso até o século XVIII apresentados e os retratos de definição naturalista (Cavaleiro com gola, Madrid, Prado), contribuirão para clarificar a inspiração mais profunda do artista, que visa reforçar as possibilidades expressivas da cor, por vezes com compiacimenti virtuosa. “Para aprofundar Ver Gedea Art vol 7 pp 262-269” “para aprofundar Ver Gedea Art vol 7 pp 262-269”

O Léxico
Sm. [A partir franceses rococó, alteração, lírico de rocaille]. O estilo decorativo que se desenvolveu em Paris cerca de 1730 e que dominado sobre outros estilos de cerca de vinte anos, espalhamento e depois à direita para o final do século nas regiões do norte da França, da Itália e da Europa Central até a Rússia. Com o valor de Adj., pertencente ao, exactamente este estilo: mobile, fachada, sabor rococó; para extensão, lambiccato artificial, mas não sem a graça: um penteado rococó.

Arte: em França
Oposição feroz por correntes e tardobarocche classicistiche contemporâneo, o rococó foi considerada negativa ao longo de todo o século XIX até a primeira análise crítica efectuada pelos irmãos De Centre Pompidou 1.7, que alertava tanto a estreita relação com uma determinada concepção da vida social, tanto a estética revolucionária informando-o. Ideologicamente o rococó é a expressão artística da aristocracia da cosmopolita cidade de chegar ao final de sua função histórica, que disfarça a consciência do declínio com uma filosofia de evasão da realidade, criando um mundo fictício sobre o mito da eterna juventude e da serenidade imperturbado. Comportamento social é então ajustado em conceitos de requinte e elegância, até a frivolidade dos uma parte e o pensamento filosófico libertinagem de outro. A fuga da realidade ocorre tanto no nível intelectual e sobre o percurso existencial e cada detalhe do ambiente deve ser concedida para o caminho da vida: tudo deve ser bonito, com efeito “Nice”, uma vez que o conceito de beleza é composta por si só o que é delicada e frágil, matizada, claro, pitoresca. Sob este aspecto compreendemos então a “necessidade” de um determinado tipo de vestuário (paramentos ler de seda e musselina em tons pastel, branco peruca que embeleza o rosto e faz sem idade, então eternamente jovem), o que corresponde a um determinado tipo de ambiente no qual viver. A revolução estética do rococó ocorre na realidade na interacção harmoniosa de todos os detalhes do mobiliário que contribuam igualmente para todas as artes (e o “menores” são avaliados obviamente a par com os tradicionalmente “nobres”) consulte a criação de ambientes orgânicos e homogênea. O fato histórico a partir do qual você começar o rococó (mesmo se as instalações são rastreáveis desde os últimos anos do século XVII) é a transferência do tribunal de Versalhes em Paris após a morte de Louis XIV (1715), encomendado pela regent Duque de Orléans, o facto de determinados para a nobreza a necessidade de reorganizar os palácios privados da capital, por longos anos habitada apenas ocasionalmente. Para obviar a espaços confinados desenvolvido rapidamente no período do regency o gosto do paredes pálidas, “aberto” pela profusão de espelhos e luz de trabalho de estuque illeggiadrite para pequenas e mobiliário lacado em tons pastel, para executivos também a partir da luz de tons, para os enfeites de tamanho mínimo e sujeito frívolos, em clara oposição a mobiliário Louis XIV, sumptuoso (mas também pesado) dominado por cores escuras e pela sobreposição inútil. Raros foram em França os grandes realizações arquitetônicas, que estruturas usufruirono ainda barroco como muito como muito sóbria e funcional, destinadas na prática como um apoio da decoração, mais do que nas fachadas interior, inferida a partir de toda uma série de repertories (recorde-se que em 1734 por J. A. Meissonnier, cujos desenhos influenciou profundamente sobre produção de entalhadores e ourives da época); esta decoração foi feita com base em variações de infinito, melhor se assimétrica, a linha curva que definiu os elementos naturais (folhas, flores, animais) segundo um espírito gracioso que frequentemente referido exótica elegância e fabuloso do Oriente (obras-primas nesse sentido são o Hôtel de Matignon de n° Pineau de 1720-31 e o Hôtel de Soubise de G. Boffrand, também decorado por F. Boucher, 1736). Na arquitetura francesa são de facto muito mais freqüentes as construções de pequenas dimensões para parques e jardins (readequadas às vezes essas “Inglês” de acordo com os cânones da pitoresca, mais adaptada para o novo gosto): os pavilhões da caça, o “Casini de delícias”, sans-soucis, monrepos, ermitages, todos conectados com as necessidades da vida mundana. A escultura foi um bom exclusivamente decorativos, amenizando as formas, enriquecido por detalhes descritivos e geralmente retratar personagens mitológicos de acordo com uma declaração de intenção de natureza erótica. A pintura de a cor clara e brilhante se alastrar para fora para tocar e nuances em um desenho rápido e quebrada, estreitas analogias com a porcelana, gravura, a tecidos para mobiliário, desde Retrata cenas de pastoral, idylls, festas galanti e campestri, episódios erótico, Diário crônicas, expressando com irónico acentos maliciosa ou os princípios de uma vida frívola mas requintado. Para a França é habitual para distinguir um primeiro período Regency (1715-30) na geração do arquitecto G. M. Oppenordt de decorador F. A. Vassé e do ebanist Ch. Cressent, de pintores J.-A. Watteau, J. B. Pater e J.-M. Nattier; um período rocaille (1730-45) que encontra a sua máxima expressão na Meissonnier, Pineau, Boucher e Chardin; um último período Pompadour (1745-64) involuto já em certas complexidade decorativa e em parte influenciado pelo linearismo estilo neoclássico, representada pelo arquitecto J. A. Gabriel, decoração por J. Verbeckt e J. H. Fragonard.

Arte: em outros países europeus
Fora de França o rococó se generalizou em curto assolutistiche que assumiu como um modelo de vida social a nobreza francesa, idealizado como depositário do saber viver e gosto. Na década 1730-40 artistas e artesãos franceses foram de fato convidados em todos os tribunais da Europa começando com o fenômeno da internacionalização da marca figurativa a cultura típica de toda a segunda metade do século. Este fenómeno viveu precisamente sobre a figura do artista errante (Para Itália é suficiente pensar de Tiepolo e Rosalba Carriera), que estimulada sobretudo o desenvolvimento do artesanato no cânones são comuns a toda a Europa, de acordo com um processo regulado não só pela evolução do gosto mas também, e declarada pelo mesmo governantes, pelas leis da expansão económica. Movimentos semelhantes para o rococó, ainda que não totalmente identificados com ele, se manifestaram em Inglaterra (em mobiliário Chippendale, através de cujo interpretações, além disso, o sabor rococó foi introduzido na América e em determinados temas de Hogarth a Gainsborough pictórica) e em Espanha (churriguerismo). Para a Itália ele pode falar do rococó especialmente para artes decorativas, participantes no sabor internacional (a estuques de Serpotta; o “gabinete chinês” para o Palácio de Portici, agora no Capodimonte, tudo em porcelana e espelhos), enquanto construções arquitetônicas para plantas caprichosas curvas teve lugar apenas em edifícios privados de pequenas dimensões (Villa Palagonia em Novalaise perto de Palermo), sendo ainda viva a tradição barroca, ligada nomeadamente à committenza eclesiásticas No que diz respeito aos móveis italianos, o sabor da franceses rococó desenvolvidos através da adopção parcial de elementos estilísticos de Louis XV e a transformação progressiva dos elementos da ornamentação barroca (estilo Barroco). Em Veneza, no quadro do desenvolvimento independente (e abordada em grande parte para a clientes estrangeiros do que a pintura, você pode definir no estilo rococó a escolha de temas como o capricho, vista fantástica e a cena da vida (Marco Ricci, Zais, Guardi e Longhi) e a utilização generalizada de pastel e aquarela (Rosalba Carriera). O estilo do rococó reuniu seus principais ao desenvolvimento nos países de língua alemã de acordo com dois destinos precisa e claramente diferenciados: por um lado a arquitetura e o artesanato para os tribunais, que elaborou também formas originais mas sempre dentro do modelo francês, por outro lado a arquitetura, entendida como uma síntese entre o espaço e a decoração das igrejas e conventos, que representa a última grande expressão autónoma deste ramo específico da arquitetura. Cerca de numerosos tribunais alemães proliferarono castelos, a nobre residences, pequenas construções de prazer que assumiu em tamanho enfático ou mesmo retórico plantas para linhas curvas elípticas e de construção privado francês (apenas os castelos reais Você refaz a monumentalidade classicista Versailles) e desenvolveu a decoração em tons mais ou menos moderada de acordo com precisão variantes locais (residência para o príncipe-bispo de Würzburg, 1719-44, B. Neumann, com a colaboração de R. de cozidos e J. L. Hildebrandt, e frescos de Tiepolo; Palazzina di Caccia de Amalienburg no Parque Nymphenburg em Munique, 1734, F. de Cuvilliés). Arquitectura religiosa floresceu especialmente na Baviera e na Boémia, com os irmãos Asam, D. Zimmermann, Dientzenhofer e, na Áustria, especialmente com Fischer von Erlach, que desenvolveram instalações já existentes na arquitetura tardobarocca locais para chegar a construir edifícios caracterizado pela amplitude e brilho (um espaço único para a fábrica redondo, oval ou elíptica, paredes brancas, grandes e numerosos windows, estuques e sobreposição inútil que sublinham a elementos estruturais e enquadramento de telas e afrescos), onde realizam uma harmonia perfeita e uma interrelação entre o total de elementos construtivos e marca figurativa. Também a produção pictórica não assumiu um papel autónomo mas, dadas as necessidades específicas, foi dirigido quase exclusivamente para ilustrar temas históricos de celebração em tons alegórico-mitológico ou temas religiosos; então desenvolvida em grandes telas e afrescos que, apesar do considerável leveza e execução vaporosità, derivam da decoração barroca Italiana (F. A. Maulbertsch, J. W. Bergl).

Descrição geral
Loc. Inglês (abreviatura de arte popular, arte popular) utilizados em italiano como sf. Introduzida pelos estudiosos L. Flieder e R. Banham e adoptado em 1961 pelo crítico Inglês L. Alloway, o termo indica um movimento artístico de avant-garde nasceu em paralelo na Grã-Bretanha e os Estados Unidos em torno de 1955, como uma reacção à pintura de expressionistas abstractos. Os artistas da Pop art desenhe formas e o idioma a partir do repertório de mass media, ou seja dos meios de comunicação e da cultura de massa: televisão, publicidade imagens, fotografias, banda desenhada, ingredientes, etc; eles portanto servir de imagens e objetos que já existem como, manipulada e apresentados em diversas formas, você carregar uma nova expressividade. O objectivo do movimento é para subtrair a operação artística de seu caráter de experiência única e subjetiva, para riaccostare em vez arte a realidade do dia-a-dia. A figuração do trivial e a vida quotidiana da pop art, mediada por diferentes experiências de Cubismo, Futurismo, Dadaism e surrealismo, teve a sua primeira definição na Grã-Bretanha, através das actividades do grupo independente de Londres (1953-58). A primeira ópera Inglês pop, criado por Richard Hamilton, foi inscrito na exposição “Este é amanhã” realizada em Londres em 1956. Nos Estados Unidos a arte pop surgiu a partir do esgotamento do resumo de experiências, pelo pára no final da reunião informal e especialmente por exaltations do “objeto consumido” por artistas do Novo Dadá.
O pintor espanhol (Fuente de Cantos, Badajoz, 1598-Madrid 1664). Ele treinado em Sevilha, então o animado centro de uma marca figurativa a cultura da natureza realista. Em 1617 ele abriu sua própria loja em Llerena, na Extremadura, mas em 1629 ele resolvidos voltar a Sevilha e permaneceram (exceto uma estadia em Madrid em 1634) até 1659 ca. Quando reduzida, em condições de extrema pobreza, ele se mudou para Madri onde ele tentou em vão para ser inserido no clima cultural da cidade. A actividade do Zurbaran esplicò é quase exclusivamente na produção de imagens sagradas do número muito elevado (ca. 600) e qualidade às vezes não sublime, devido em parte à utilização generalizada de colaboradores, em parte para momentos de crise do pintor, especialmente nos últimos anos de vida quando era considerado aprovado pelos seus contemporâneos em favor do Murillo. O estilo do Zurbaran compreende tanto o naturalismo típico de Sevilha, desenvolvido e levadas ao mais alto resultados para o uso de cores, sempre lúcido e deslumbrante mesmo em tons escuros; disegnativa tanto a tradição do maneirismo espanhol, que transporta o pintor para resolver suas composições nas figuras do primeiro andar, de contornos elegantes e incisivos superiores, claramente separados dos fundos neutro ou escuro, fora de qualquer ambiente histórico. A maioria das suas obras foram realizados como ciclos devocionais para as igrejas e mosteiros de Sevilha e outras cidades espanholas (actualmente dispersas entre vários museus), sinceramente partícipes do sentimento religioso popular (pinturas para a Merced Calzada em Sevilha, 1629; pinturas de Nuestra Señora de la Defension em Jerez de la Frontera, 1638-39). A famosa série de santos que pierce por misticheggianti pistas visuais para celebração elegantemente decorativas. Cerca de 1633 Zurbaran dedicou também por um curto período de tempo para a Natura famões – odivelas, deixando uma das maiores obras-primas do género, de pureza absoluta: prato de cedros, um cesto de laranjas e a xícara com Rosa (1633, já em Florença, o Contini Bonacossi Coleção, a partir de 1973 em Los Angeles Pasadena, Norton Simon Foundation). A influência do Zurbaran, bastante limitado em Espanha, foi uma vez enorme na América Latina, especialmente no Peru, onde o pintor enviaram numerosas obras durante o período 1640-58.

Murillo, Bartolomé Esteban
O pintor espanhol Sevilha (1617-1682). Os primórdios da artística Murillo foram essencialmente ligada à cidade natal, primeiro como estudante de medíocre Juan del Castillo, depois como pintor independente, sensível à arte de Ribera, Zurbarán, Velázquez; o jovem trabalha, forte em design e modelados mas substancialmente pouco originais a demonstrar também um participante da genérica caravaggismo pairando no ambiente espanhol. Contatos com o italiano pintura, através de B. O Cavallino e A. Vaccari, Flamengo e (talvez visitou a colecções reais durante uma viagem a Madrid em 1648, onde ele poderia estudar as obras de Rubens e Van Dyck), dinamizado uma interpretação original de colorismo veneto para que se junte a uma utilização leve profundamente cenográfica e barroco; estes caracteres já aparecem no onze pinturas com milagres de Santos Franciscanos para o convento da ordem homónimas em Sevilha (1645-48), hoje dispersos, e no nascimento da Virgem (Paris, Louvre), triunfalista primórdios de uma longa actividade ao serviço das confrarias e ordens religiosas dentro do qual Murillo provou ser sincero intérprete e convincente de misticismo contra-reformistas. A interpretação realista suavemente, popular folk e comunicativo do sagrado episódio, cada vez mais evidente nas obras maduras (ciclo para o Hospício de caridade em Sevilha, ca. 1670-80: a cura do paralítico na piscina, Londres, Galeria Nacional; o regresso do filho pródigo, Washington, Galeria Nacional), aderiram à sofisticação de cor e de alta qualidade formal, fizeram das composições de Murillo temas mais populares dos religiosos oleografia (pensando das inúmeras versões da Imaculada Conceição, dos quais alguns em Madrid Prado), que tem vindo a alterar, no desgaste da imagem real e elevado valor artístico. Os ciclos de pinturas de género popolaresco (meninos que comer fruta, Mónaco, Alte Pinakothek Galego; a janela, Washington, Galeria Nacional), aberturas eficaz sobre a influências picarescas mundo que inaugurou um género destinatoa grande sucesso até o século XVIII apresentados e os retratos de definição naturalista (Cavaleiro com gola, Madrid, Prado), contribuirão para clarificar a inspiração mais profunda do artista, que visa reforçar as possibilidades expressivas da cor, por vezes com compiacimenti virtuosa. “Para aprofundar Ver Gedea Art vol 7 pp 262-269” “para aprofundar Ver Gedea Art vol 7 pp 262-269”

O Léxico
Sm. [A partir franceses rococó, alteração, lírico de rocaille]. O estilo decorativo que se desenvolveu em Paris cerca de 1730 e que dominado sobre outros estilos de cerca de vinte anos, espalhamento e depois à direita para o final do século nas regiões do norte da França, da Itália e da Europa Central até a Rússia. Com o valor de Adj., pertencente ao, exactamente este estilo: mobile, fachada, sabor rococó; para extensão, lambiccato artificial, mas não sem a graça: um penteado rococó.

Arte: em França
Oposição feroz por correntes e tardobarocche classicistiche contemporâneo, o rococó foi considerada negativa ao longo de todo o século XIX até a primeira análise crítica efectuada pelos irmãos De Centre Pompidou 1.7, que alertava tanto a estreita relação com uma determinada concepção da vida social, tanto a estética revolucionária informando-o. Ideologicamente o rococó é a expressão artística da aristocracia da cosmopolita cidade de chegar ao final de sua função histórica, que disfarça a consciência do declínio com uma filosofia de evasão da realidade, criando um mundo fictício sobre o mito da eterna juventude e da serenidade imperturbado. Comportamento social é então ajustado em conceitos de requinte e elegância, até a frivolidade dos uma parte e o pensamento filosófico libertinagem de outro. A fuga da realidade ocorre tanto no nível intelectual e sobre o percurso existencial e cada detalhe do ambiente deve ser concedida para o caminho da vida: tudo deve ser bonito, com efeito “Nice”, uma vez que o conceito de beleza é composta por si só o que é delicada e frágil, matizada, claro, pitoresca. Sob este aspecto compreendemos então a “necessidade” de um determinado tipo de vestuário (paramentos ler de seda e musselina em tons pastel, branco peruca que embeleza o rosto e faz sem idade, então eternamente jovem), o que corresponde a um determinado tipo de ambiente no qual viver. A revolução estética do rococó ocorre na realidade na interacção harmoniosa de todos os detalhes do mobiliário que contribuam igualmente para todas as artes (e o “menores” são avaliados obviamente a par com os tradicionalmente “nobres”) consulte a criação de ambientes orgânicos e homogênea. O fato histórico a partir do qual você começar o rococó (mesmo se as instalações são rastreáveis desde os últimos anos do século XVII) é a transferência do tribunal de Versalhes em Paris após a morte de Louis XIV (1715), encomendado pela regent Duque de Orléans, o facto de determinados para a nobreza a necessidade de reorganizar os palácios privados da capital, por longos anos habitada apenas ocasionalmente. Para obviar a espaços confinados desenvolvido rapidamente no período do regency o gosto do paredes pálidas, “aberto” pela profusão de espelhos e luz de trabalho de estuque illeggiadrite para pequenas e mobiliário lacado em tons pastel, para executivos também a partir da luz de tons, para os enfeites de tamanho mínimo e sujeito frívolos, em clara oposição a mobiliário Louis XIV, sumptuoso (mas também pesado) dominado por cores escuras e pela sobreposição inútil. Raros foram em França os grandes realizações arquitetônicas, que estruturas usufruirono ainda barroco como muito como muito sóbria e funcional, destinadas na prática como um apoio da decoração, mais do que nas fachadas interior, inferida a partir de toda uma série de repertories (recorde-se que em 1734 por J. A. Meissonnier, cujos desenhos influenciou profundamente sobre produção de entalhadores e ourives da época); esta decoração foi feita com base em variações de infinito, melhor se assimétrica, a linha curva que definiu os elementos naturais (folhas, flores, animais) segundo um espírito gracioso que frequentemente referido exótica elegância e fabuloso do Oriente (obras-primas nesse sentido são o Hôtel de Matignon de n° Pineau de 1720-31 e o Hôtel de Soubise de G. Boffrand, também decorado por F. Boucher, 1736). Na arquitetura francesa são de facto muito mais freqüentes as construções de pequenas dimensões para parques e jardins (readequadas às vezes essas “Inglês” de acordo com os cânones da pitoresca, mais adaptada para o novo gosto): os pavilhões da caça, o “Casini de delícias”, sans-soucis, monrepos, ermitages, todos conectados com as necessidades da vida mundana. A escultura foi um bom exclusivamente decorativos, amenizando as formas, enriquecido por detalhes descritivos e geralmente retratar personagens mitológicos de acordo com uma declaração de intenção de natureza erótica. A pintura de a cor clara e brilhante se alastrar para fora para tocar e nuances em um desenho rápido e quebrada, estreitas analogias com a porcelana, gravura, a tecidos para mobiliário, desde Retrata cenas de pastoral, idylls, festas galanti e campestri, episódios erótico, Diário crônicas, expressando com irónico acentos maliciosa ou os princípios de uma vida frívola mas requintado. Para a França é habitual para distinguir um primeiro período Regency (1715-30) na geração do arquitecto G. M. Oppenordt de decorador F. A. Vassé e do ebanist Ch. Cressent, de pintores J.-A. Watteau, J. B. Pater e J.-M. Nattier; um período rocaille (1730-45) que encontra a sua máxima expressão na Meissonnier, Pineau, Boucher e Chardin; um último período Pompadour (1745-64) involuto já em certas complexidade decorativa e em parte influenciado pelo linearismo estilo neoclássico, representada pelo arquitecto J. A. Gabriel, decoração por J. Verbeckt e J. H. Fragonard.
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Arte: em outros países europeus
Fora de França o rococó se generalizou em curto assolutistiche que assumiu como um modelo de vida social a nobreza francesa, idealizado como depositário do saber viver e gosto. Na década 1730-40 artistas e artesãos franceses foram de fato convidados em todos os tribunais da Europa começando com o fenômeno da internacionalização da marca figurativa a cultura típica de toda a segunda metade do século. Este fenómeno viveu precisamente sobre a figura do artista errante (Para Itália é suficiente pensar de Tiepolo e Rosalba Carriera), que estimulada sobretudo o desenvolvimento do artesanato no cânones são comuns a toda a Europa, de acordo com um processo regulado não só pela evolução do gosto mas também, e declarada pelo mesmo governantes, pelas leis da expansão económica. Movimentos semelhantes para o rococó, ainda que não totalmente identificados com ele, se manifestaram em Inglaterra (em mobiliário Chippendale, através de cujo interpretações, além disso, o sabor rococó foi introduzido na América e em determinados temas de Hogarth a Gainsborough pictórica) e em Espanha (churriguerismo). Para a Itália ele pode falar do rococó especialmente para artes decorativas, participantes no sabor internacional (a estuques de Serpotta; o “gabinete chinês” para o Palácio de Portici, agora no Capodimonte, tudo em porcelana e espelhos), enquanto construções arquitetônicas para plantas caprichosas curvas teve lugar apenas em edifícios privados de pequenas dimensões (Villa Palagonia em Novalaise perto de Palermo), sendo ainda viva a tradição barroca, ligada nomeadamente à committenza eclesiásticas No que diz respeito aos móveis italianos, o sabor da franceses rococó desenvolvidos através da adopção parcial de elementos estilísticos de Louis XV e a transformação progressiva dos elementos da ornamentação barroca (estilo Barroco). Em Veneza, no quadro do desenvolvimento independente (e abordada em grande parte para a clientes estrangeiros do que a pintura, você pode definir no estilo rococó a escolha de temas como o capricho, vista fantástica e a cena da vida (Marco Ricci, Zais, Guardi e Longhi) e a utilização generalizada de pastel e aquarela (Rosalba Carriera). O estilo do rococó reuniu seus principais ao desenvolvimento nos países de língua alemã de acordo com dois destinos precisa e claramente diferenciados: por um lado a arquitetura e o artesanato para os tribunais, que elaborou também formas originais mas sempre dentro do modelo francês, por outro lado a arquitetura, entendida como uma síntese entre o espaço e a decoração das igrejas e conventos, que representa a última grande expressão autónoma deste ramo específico da arquitetura. Cerca de numerosos tribunais alemães proliferarono castelos, a nobre residences, pequenas construções de prazer que assumiu em tamanho enfático ou mesmo retórico plantas para linhas curvas elípticas e de construção privado francês (apenas os castelos reais Você refaz a monumentalidade classicista Versailles) e desenvolveu a decoração em tons mais ou menos moderada de acordo com precisão variantes locais (residência para o príncipe-bispo de Würzburg, 1719-44, B. Neumann, com a colaboração de R. de cozidos e J. L. Hildebrandt, e frescos de Tiepolo; Palazzina di Caccia de Amalienburg no Parque Nymphenburg em Munique, 1734, F. de Cuvilliés). Arquitectura religiosa floresceu especialmente na Baviera e na Boémia, com os irmãos Asam, D. Zimmermann, Dientzenhofer e, na Áustria, especialmente com Fischer von Erlach, que desenvolveram instalações já existentes na arquitetura tardobarocca locais para chegar a construir edifícios caracterizado pela amplitude e brilho (um espaço único para a fábrica redondo, oval ou elíptica, paredes brancas, grandes e numerosos windows, estuques e sobreposição inútil que sublinham a elementos estruturais e enquadramento de telas e afrescos), onde realizam uma harmonia perfeita e uma interrelação entre o total de elementos construtivos e marca figurativa. Também a produção pictórica não assumiu um papel autónomo mas, dadas as necessidades específicas, foi dirigido quase exclusivamente para ilustrar temas históricos de celebração em tons alegórico-mitológico ou temas religiosos; então desenvolvida em grandes telas e afrescos que, apesar do considerável leveza e execução vaporosità, derivam da decoração barroca Italiana (F. A. Maulbertsch, J. W. Bergl).

Descrição geral
Loc. Inglês (abreviatura de arte popular, arte popular) utilizados em italiano como sf. Introduzida pelos estudiosos L. Flieder e R. Banham e adoptado em 1961 pelo crítico Inglês L. Alloway, o termo indica um movimento artístico de avant-garde nasceu em paralelo na Grã-Bretanha e os Estados Unidos em torno de 1955, como uma reacção à pintura de expressionistas abstractos. Os artistas da Pop art desenhe formas e o idioma a partir do repertório de mass media, ou seja dos meios de comunicação e da cultura de massa: televisão, publicidade imagens, fotografias, banda desenhada, ingredientes, etc; eles portanto servir de imagens e objetos que já existem como, manipulada e apresentados em diversas formas, você carregar uma nova expressividade. O objectivo do movimento é para subtrair a operação artística de seu caráter de experiência única e subjetiva, para riaccostare em vez arte a realidade do dia-a-dia. A figuração do trivial e a vida quotidiana da pop art, mediada por diferentes experiências de Cubismo, Futurismo, Dadaism e surrealismo, teve a sua primeira definição na Grã-Bretanha, através das actividades do grupo independente de Londres (1953-58). A primeira ópera Inglês pop, criado por Richard Hamilton, foi inscrito na exposição “Este é amanhã” realizada em Londres em 1956. Nos Estados Unidos a arte pop surgiu a partir do esgotamento do resumo de experiências, pelo pára no final da reunião informal e especialmente por exaltations do “objeto consumido” por artistas do Novo Dadá.